19 jul. 2007

Dakota Fanning



Dakota Fanning es una de las actuales adolescentes de éxito en Hollywood. Empezó su carrera con sólo siete años, en la película Yo soy Sam. Le siguieron Sweet Home Alabama, El fuego de la venganza y La Guerra de los Mundos.

Con tan sólo 12 años de edad intervino en una película en la que era brutalmente violada, y no tardó en desatarse la polémica. Y es que Dakota Fanning parece estar apostando por papeles cada vez más oscuros y sexuales. Los rumores de adicción a las drogas no han tardado en aparecer. Aparentemente, tras el pasado Festival de Sundance, Dakota ya fue ingresada en un centro de rehabilitación.

17 jul. 2007

Macaulay Culkin



La estrella infantil del los 90 triunfó gracias a Sólo en Casa con tan sólo 10 años. Pero el éxito prematuro provocó el divorcio de sus padres, que se pelearon por su custodia. Macaulay recibió la adolescencia siendo alcohólico y conflictivo.

Su matrimonio con la actriz Rachel Miner, con sólo tenía 18 años, sólo logró empeorar el problema; y más adelante se dijo que Michael Jackson había abusado de él. En 2004 fue detenido y condenado por posesión de drogas.

13 jul. 2007

Mejor trasero latino

El mejor trasero del año
La revista Cuore realizó el ranking anual de las mejores pompis en el mundo del espectáculo.

El top 1 es de la madrileña Elsa Pataky ( pareja de Adrien Brody) considerada la de mejor ‘trasero’, sacándole el primer puesto a la latina Jennifer López

AP - El mejor trasero del año

12 jul. 2007

GONZALO HIGUAÍN

Biografía de Gonzalo "El Pipita" Higuaín

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Gonzalo Gerardo Higuaín, nació el 10 de Diciembre de 1987 en Brest, Francia , hijo de Jorge Nicolás, ex defensor de San Lorenzo, Boca y River. La razón de su nacimiento en esa localidad francesa se debe a que su padre jugo un tiempo en un club de ese país. En Francia solo vivió 11 meses: después regresó a la Argentina. Hizo todas las Inferiores en el Club Atlético River Plate.

Su debut en primera división se produce el 30 de mayo de 2005 en la derrota de River por 2-1 frente a Gimanasia y Esgrima de La Plata de la mano del técnico millonario Leonardo Astrada.

El "Pipita", diminutivo de "Pipa" (apodo de su padre) se caracteriza por su rapidez en los metros finales de la cancha, buena pegada y descarga rápida y precisa para el compañero mejor ubicado.

En septiembre de 2005 Gonzalo Higuaín tuvo que tomar una decisión difícil. Fue convocado para la selección argentina juvenil Sub 18, pero decidió renunciar a la convocatoria ya que debía nacionalizarse argentino y al asesorarse al respecto se entero que la legislación francesa no reconoce la doble nacionalidad, por lo que tendría que renunciar a la nacionalidad francesa y por ende a no ocupar plaza de extranjero en un posible futuro en Europa, por lo que considero apresurada una nacionalización en ese momento aunque reconoció que siempre fue su sueño jugar con la selección argentina.

Luego de no contar con muchas posibilidades durante la dirección técnica de Mostaza Merlo con la llegada de Daniel Pasarella en el 2006 tuvo muchas chances las cuales aprovecho para confirmar su talento destacándose entre sus actuaciones la del partido frente al Corinthians por la Copa Libertadores 2006 en la que anoto 2 goles dándole a River el Pasaje a los cuartos de final.

En Agosto del 2006, el Club Atlético River Plate vendió el 50% de su pase al grupo Media Sports Investment a cargo del empresario iraní Kia Joorabchian por un valor de 6 millones de euros.

ANDRÉS GUARDADO

José Andrés Guardado Hernández, nació en Guadalajara, México, el 28 de septiembre de 1986.
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Debutó profesionalmente por el Atlas de Guadalajara a mediados del año 2005, club en el cual milita hasta hoy.

Es seleccionado nacional mexicano desde finales del 2005 y fue convocado para jugar en la Copa Mundial de Alemania 2006.

Es un jugador muy rápido y hábil. Su baja estatura no ha sido problema en su meteórica carrera, y debido a su buen juego se le ha apodado el Joven Maravilla.

11 jul. 2007

Alejandro Fernández:

Biografía de Alejandro Fernández:


Alejandro Fernández

Nace en la capital mexicana el 24 de abril de 1971, pero es registrado en la ciudad de Guadalajara, Jalisco, conocida mundialmente como la auténtica "Cuna del Mariachi". Hijo de un consagrado de la música popular en México, Vicente Fernández, y de María del Refugio Abarca, Doña Cuca, crece en el seno de una familia tradicionalmente unida.Actuó por primera vez ante mas de 10 mil personas a los 5 años, interpretando el tema “Alejandra”. En ese entonces no visualizaba lo que sería su vida más adelante; por aquella época se divertía cantando sólo en reuniones familiares o con su padre, cuando éste lo invitaba a subir al escenario. Años más tarde participa con su padre en un disco homenaje a la música mexicana (México, voz y sentimiento) con el tema "Amor de los dos", resultando un verdadero éxito. Este evento siembra en él la inquietud de cantar profesionalmente.
Además de su inclinación musical por herencia y por vocación, “El Potrillo”, como se le llama cariñosamente, sintió también la necesidad de ampliar su formación personal y, tras los estudios primarios y secundarios, ingresó en la Universidad del Valle de Atemajac para estudiar arquitectura.
En 1991 lanzó su primer disco titulado “Alejandro Fernández” e inició una exitosa gira por su país. De ésta producción se desprenden grandes éxitos como "Necesito olvidarla", "Brumas" y "Equivocadamente", por mencionar algunos.
En 1993 sale al mercado "Piel de Niña", un disco de corte romántico, interpretado como sólo "El Potrillo de México" sabe hacerlo, con gran fuerza y sentimiento; la producción
dirigida por el maestro Pedro Ramírez, se colocó rápidamente entre el gusto del público. "Piel de niña", "Acabo por llorar", "A la vera del camino" y "Cascos ligeros", arrebataron lágrimas y gritos de sus fieles seguidoras.
En 1994 presentó “Grandes Éxitos”, un trabajo discográfico en el cual interpreta temas de grandes compositores, entre los que se destaca Armando Manzanero.
Los reconocimientos no se hicieron esperar; récords de ventas, semanas enteras en primer lugar de popularidad y una total aceptación de la música mexicana en las estaciones que sólo manejaban el género balada-pop provoca en 1995 el lanzamiento del álbum “Que seas muy felíz”. El tema "Como quien pierde a una estrella" surge como la canción del momento; se escucha insistentemente en la radio y en los sitios frecuentados por la juventud, logrando convertirse en un nuevo himno ranchero y en un verdadero fenómeno musical.
Al año siguiente editó “Muy dentro de mi corazón”, éste disco consiguió, en cuanto salió a la venta, Doble Platino. Luego grabó el tema oficial de las Olimpiadas de Atlanta junto a grandes figuras de la música como Gloria Estefan.
En 1997, bajo la producción de Emilio Estefan Jr., lanzó “Me estoy enamorando”, un disco con baladas románticas y canciones más cercanas al pop, sin alejarse de su esencia mexicana. Los cuatro primeros sencillos extraídos del álbum "Me Estoy Enamorando", "Si Tú Supieras", "En el Jardín" (cantado a dúo con Gloria Estefan) y "Yo Nací para Amarte", fueron consecutivamente Nº 1 en las listas de música latina de la revista Billboard.
En su siguiente trabajo en el estudio,Mi Verdad, Alejandro regresó a la música ranchera en temas como “Loco”, “Si He Sabido Amor”, “Mentirosos” y “Avísame”. Alejandro experimentó con ritmos y sonoridades caribeñas, bajo la producción de Emilio Estefan, con Entre Tus Brazos, álbum del que se desprendieron los cortes “Quiéreme”, “Háblame” y “Quisiera” como sencillos de la promoción.
En 1999 apareció en el mercado el fonograma Christmastime In Viena, una colección de canciones navideñas en la que “El Potrillo” canta en español e inglés al lado de Plácido Domingo y Patricia Kaas. El álbum contiene canciones tradicionales de todo el mundo, con la instrumentación de la Orquesta Sinfónica de Vienna.
En el 2000, nuevamente en conjunto con Emilio Estefan Jr. lanzó su octavo disco, bajo el nombre de “Entre tus brazos”. De este material se desprende "Quiéreme", primer sencillo que impactará los sentidos de sus seguidores, una fusión de ritmos que demuestran la versatilidad de Alejandro por interpretar la música.
"Orígenes", su siguiente álbum continuó logrando éxitos en toda la región Latinoamericana. El álbum ha sido certificado 2 veces platino en los Estados Unidos, Platino en México, y Oro en América Central, Ecuador y Venezuela.
Tres años más tarde lanza “A corazón abierto” (2004). Alejandro se reúne con el productor Kike Santander para seguir cautivando corazones y enamorando espectadores. Se incluyen temas como "Para vivir", "Que lástima", "Tengo Ganas" y "me dediqué a perderte".
En el 2005 edita un disco en vivo titulado "Mexico-Madrid, en directo y sin escalas", del cual se desprende un único tema inedito, "Todo", balada que fue escrita por Leonel García, de Sin Bandera. El repertorio incluye duetos destacando Amaia de La Oreja de Van Gogh en "Me dedique a perderte", la cantante española Malu en "Contigo aprendí" y Diego Cigala en "Como quien pierde una estrella".
"Viento a favor" se llama la siguiente placa de Alejandro Fernández con la cual festeja sus 15 años de carrera. Contiene una selección de temas compuestos por artistas de la talla de Gian Marco, Leonel, Reily Barba, Fonseca y Noel de Sin Bandera, en donde se refleja el amor y la pasión puesta por el mexicano, recorriendo el pop rítmico y la balada romántica.
"Viento a favor" es una selección de entre 500 temas que Alejandro escogió e incluye entre ellas la balada "Amor Gitano" que interpretó junto a Beyonce.

Biografía de Airbag

Airbag

Airbag esta formado por tres hermanos, Gaston, Patricio y Guido.La música entra en casa de los Sardelli de diversas maneras. En un principio, cuando Patricio tenia 3 años y medio, cantaba tangos, influenciados por su abuela. De esta manera realiza una participación en "Grandes valores del tango", y se instala en el programa participando en diferentes secciones.
Pero las cosas se complicaron, el colegio y la exposición hicieron que tomara un receso. Paso un tiempo donde ninguno tuvo un contacto directo con la música, hasta que apareció el rock and roll.
El padre de los chicos siempre fue un amante del rock, y de tantos casettes que tenia del genero llego a las manos de los pequeños un casete con temas de Creedence Clearwater Revival, y al escuchar el sonido de Travelin Band, Proud Mary entre otros, se destapo la curiosidad.
Todavía, no había forma de llegar a los instrumentos del rock. Lo mas cercano era el riff de la banda y Smoke on the water de Deep Purple que tocaba el viejo de oído sin saber el resto del tema.
En la secundaria, unos amigos de Gastón tocaban los famosos temas de rock que les apasionaban. Es entonces donde se empiezan a juntar a tocar con violas y voz. De a poco se suma un batero y bajista hasta que, por cuestiones de espacio, se traslada el grupo junto con algunos equipos a la casa de los chicos, y es ahora cuando un amigo del padre, Fausto, entusiasmado por lo que se empezaba a armar, les presta dos guitarras y unos equipos.
De a poco Guido y pato se acercan a estas reuniones de amigos y empiezan a participar. Cuando faltaba un batero Guido lo reemplazaba e iba experimentando con las pobres bases que Gastón le transmitió. Pato por su parte, seguía loco con la guitarra. En estos momentos los conocimientos musicales eran muy por debajo de lo básico, pero aun así, se empezaban a entender.
Pasado el tiempo se dieron cuenta de que entre los tres lograban grandes avances, por lo que decidieron continuar ellos solos sin ningun otro integrante.
Por medio de un amigo les llego la oportunidad de grabar un demo con temas propios, que llegó a manos de la compañía Warner. Después de seleccionar el repertorio, Gastón, Patricio y Guido ingresaron en los estidios de grabación ION dándose a conocer como "Airbag". Allí grabaron las canciones que integran su placa debut, con el mismo titulo del grupo. Contiene doce temas compuestos por Patricio (con excepción de "Desesperado", escrito por Juan Marcelo).
Apenas unos días después de su lanzamiento, Airbag, el disco, se colocó en las primeras posiciones de los principales rankings radiales de Argentina, gracias a los hits "Quiero estar contigo" y "La partida de la gitana (si te vas)".
La segunda placa del grupo sale a la venta en abril del 2006 con la firme intención de demostrar que el exito de su disco debut no fue casualidad. "Blanco y Negro" es el nuevo material discográfico, grabado en España bajo la producción de Alejo Stivel. El mismo contiene 11 temas del que se desprende "Amor de Verano", primer single de difusión.

MARTA SÁNCHEZ

Don Antonio Sánchez Camporro y Doña María Paz López Pestonit el 8 de Mayo de 1966 vieron nacer a sus dos únicas hijas, las mellizas Paz y Marta.

Marta, a los tres años ya mostraba mucho interés por el mundo de la música. Le gustaba bailar, cantar y disfrazarse. Con cuatro o cinco años empezó a cantar "Gwendoline" de Julio Iglesias. Luego se lanzó con el flamenco, con "Maria de la O" que le enseñó su abuelo.

Siempre tuvo una relación muy intensa con su hermana Paz. Sin embargo, sus caracteres eran muy diferentes. Mientras Paz era más tranquila y quizás algo más tímida, Marta era todo lo contrario. Se contaban sus cosas y se aconsejaban mutuamente.

El día de su primera comunión le regalaron sus padres una guitarra, y a los 13 años ya componía canciones. Siempre iba con su guitarra y su cuaderno de notas, donde realizaba sus composiciones. Incluso en una ocasión ganó un premio con la canción "María, una amiga más" dedicada a la Virgen María y que interpretó en el colegio acompañada de su guitarra.

A los 14 años hizo su primera aparición televisiva en el programa infantil de los sábados a la mañana, "Sabadabadá" presentado por Torrebruno en TVE 1, donde había una sección dedicada a niños que querían demostrar sus dotes artísticos. Marta, acompañada de la guitarra que le habían regalado sus padres, dejó a todos atónitos demostrando su desparpajo ante las cámaras.

Durante doce años estudió en el colegio Véritas de Somosaguas en Madrid, un colegio regido por religiosas y muy estricto en sus costumbres. Marta suspendía casi todas las asignaturas porque se pasaba el día pensando en su futuro. A los 15 años se había convertido en una bella jovencita que llevaba casi siempre su pelo rizado en una coleta y que hacía estragos entre los chicos del barrio. Le gustaba mucho maquillarse, aparentando más edad de la que tenía. Le atraía mucho bailar y todos los fines de semana se iba a la discoteca Pachá de Tribunal en Madrid a divertirse con sus amigos.

Pero tal y como ella suponía, su futuro profesional no estaba precisamente en los estudios, sino en el mundo artístico, en el que comenzó muy pronto. Sus padres hubiesen preferido ver a su hija prepararse para estudiar una
carrera pero no se opusieron a que se dedicara a la música, porque veían que era lo que más le gustaba. Por ese motivo, recibió todo el apoyo por parte de su familia.

Por aquel entonces era una apasionada de Barbara Streisand y Olivia Newton John, y más tarde de Prince, U2, Ilegales, Mecano, Génesis, Fleetwood Mac y Durán-Durán. Entonces soñaba con ser una número uno y luchó por ello. Cuando veía a los artistas firmar autógrafos, se decía a si misma que pronto llegaría su turno.

Cuando cumplió los 18 años (1984), encargó su primer "book", las fotos con las que se dio a conocer, su carta de presentación para los productores de las diferentes casas discográficas. El fotógrafo recuerda perfectamente esa jornada con Marta, entonces una perfecta desconocida, una de las muchas que encargaban un "book" para empezar a moverse en busca de una primera oportunidad. Esa joven le pareció completamente diferente, en todo momento muy segura de sí misma, de cómo quería salir en las fotos, de lo que la favorecía y lo que no. De hecho, ella misma guiaba al fotógrafo, y se mostraba absolutamente convencida de que el éxito la aguardaba no muy lejos.

Su primera oportunidad como cantante le llegó con el grupo "Cristal Oskuro", que en aquél entonces necesitaban vocalista. Era un grupo de chicos que tocaban música pop. Marta estuvo apenas siete meses, llegando a actuar en pequeños círculos. Incluso participó en un concurso organizado por la Comunidad de Madrid en la discoteca "Zodiaco" y en el que consiguieron la tercera plaza. Entre las muchas personas que veían el show se encontraba Tino Azores, técnico de sonido del conocido grupo "Olé Olé". Se quedó tan maravillado con la voz de Marta que le propuso incorporarse al grupo, sustituyendo a Vicky Larraz, anterior cantante.

Así, y a la edad de 19 años, comenzó su brillante trayectoria con el grupo español "Olé Olé", que la llevaría a una carrera profesional repleta de éxitos. Con el primer dinero que ganó en el mundo de la canción se compró unos zapatos de tacón alto que le costaron 15.000 pesetas.

Paz Vega

Nació el 2 de enero de 1976 en Sevilla (España)

Biografía

Mide 1'72.
Paz Campos Trigo tomó su apellido artístico, Vega, de su abuela.
Tras desechar la idea de estudiar Ciencias Politicas, Paz comenzó su trayectoria profesional como intérprete teatral al ingresar en el Centro Andaluz de Teatro.
Al mismo tiempo acudía a la facultad de Ciencias de la Información, carrera que abandonó tras dos años de estudios para trasladarse a Madrid con el objetivo de ampliar su marco de posibilidades como actriz.
En 1997 debutó en la televisión, apareciendo en algunos episodios de la serie "Menudo es mi padre". Posteriormente repitió en la pequeña pantalla con "Más que amigos", "Compañeros" y "Siete vidas".

En 1999 apareció por primera vez en la pantalla grande formando parte del reparto de tres títulos, "Zapping" (1999), "Sobreviviré" (1999) y "Nadie conoce a nadie" (1999).

Alcanzó la fama cinematográfica con "Lucía y el sexo" (2001), un film dirigido por Julio Medem que le valió el premio Goya a la mejor actriz revelación.
El mismo año estuvo nominada en la categoría de mejor actriz principal por "Solo mía" (2001), película que co-protagonizó junto a Sergi López.
Otros títulos importantes que cuentan con su protagonismo son "Hable con ella" (2002) de Pedro Almodóvar, "El otro lado de la cama" (2002) de Emilio Martínez Lázaro o "Carmen" (2003), adaptación del clásico de Prosper Merimée dirigida por Vicente Aranda por la que fue nominada como mejor actriz a los premios europeos de cine.

Paz se casó en el año 2002 con el venezolano Orson Salazar.
Algunos de sus últimos estrenos son la producción estadounidense "Spanglish" (2004), dirigida por James L. Brooks, el film histórico "Los Borgia" (2006), en el que encarna a Caterina Sforza, "Dame 10 razones" (2006), con el co-protagonismo de Morgan Freeman, y "Teresa, el cuerpo de Cristo" (2007), film en el que da vida a la santa y poetisa del siglo XVI.

FILMOGRAFIA

ZAPPING (1999) de Juan Manuel Chumilla
SOBREVIVIRÉ (1999) de Alfonso Albacete y David Menkes
NADIE CONOCE A NADIE (1999) de Mateo Gil
LUCÍA Y EL SEXO (2001) de Julio Medem
SOLO MÍA (2001) de Javier Balaguer
HABLE CON ELLA (2002) de Pedro Almodóvar
EL OTRO LADO DE LA CAMA (2002) de Emilio Martínez Lázaro
NOVO (2002) de Jean-Pierre Limosin
CARMEN (2003) de Vicente Aranda
DI QUE SI (2004) de Juan Calvo
SPANGLISH (2004) de James L. Brooks
LOS BORGIA (2006) de Antonio Hernández
FUNDIDO A NEGRO (2006) de Oliver Parker
DAME 10 RAZONES (2006) de Brad Silberling
TERESA, CUERPO DE CRISTO (2007) de Ray Loriga

En vísperas de estreno o en fase de producción

LA CASA DE LAS ALONDRAS (2007) de Paolo y Vittorio Taviani
DARE TO LOVE ME (2008) de Alfonso Arau

fuente: http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1543.html

Paz Vega

Nació el 2 de enero de 1976 en Sevilla (España)

Biografía

Mide 1'72.
Paz Campos Trigo tomó su apellido artístico, Vega, de su abuela.
Tras desechar la idea de estudiar Ciencias Politicas, Paz comenzó su trayectoria profesional como intérprete teatral al ingresar en el Centro Andaluz de Teatro.
Al mismo tiempo acudía a la facultad de Ciencias de la Información, carrera que abandonó tras dos años de estudios para trasladarse a Madrid con el objetivo de ampliar su marco de posibilidades como actriz.
En 1997 debutó en la televisión, apareciendo en algunos episodios de la serie "Menudo es mi padre". Posteriormente repitió en la pequeña pantalla con "Más que amigos", "Compañeros" y "Siete vidas".

En 1999 apareció por primera vez en la pantalla grande formando parte del reparto de tres títulos, "Zapping" (1999), "Sobreviviré" (1999) y "Nadie conoce a nadie" (1999).

Alcanzó la fama cinematográfica con "Lucía y el sexo" (2001), un film dirigido por Julio Medem que le valió el premio Goya a la mejor actriz revelación.
El mismo año estuvo nominada en la categoría de mejor actriz principal por "Solo mía" (2001), película que co-protagonizó junto a Sergi López.
Otros títulos importantes que cuentan con su protagonismo son "Hable con ella" (2002) de Pedro Almodóvar, "El otro lado de la cama" (2002) de Emilio Martínez Lázaro o "Carmen" (2003), adaptación del clásico de Prosper Merimée dirigida por Vicente Aranda por la que fue nominada como mejor actriz a los premios europeos de cine.

Paz se casó en el año 2002 con el venezolano Orson Salazar.
Algunos de sus últimos estrenos son la producción estadounidense "Spanglish" (2004), dirigida por James L. Brooks, el film histórico "Los Borgia" (2006), en el que encarna a Caterina Sforza, "Dame 10 razones" (2006), con el co-protagonismo de Morgan Freeman, y "Teresa, el cuerpo de Cristo" (2007), film en el que da vida a la santa y poetisa del siglo XVI.

FILMOGRAFIA

ZAPPING (1999) de Juan Manuel Chumilla
SOBREVIVIRÉ (1999) de Alfonso Albacete y David Menkes
NADIE CONOCE A NADIE (1999) de Mateo Gil
LUCÍA Y EL SEXO (2001) de Julio Medem
SOLO MÍA (2001) de Javier Balaguer
HABLE CON ELLA (2002) de Pedro Almodóvar
EL OTRO LADO DE LA CAMA (2002) de Emilio Martínez Lázaro
NOVO (2002) de Jean-Pierre Limosin
CARMEN (2003) de Vicente Aranda
DI QUE SI (2004) de Juan Calvo
SPANGLISH (2004) de James L. Brooks
LOS BORGIA (2006) de Antonio Hernández
FUNDIDO A NEGRO (2006) de Oliver Parker
DAME 10 RAZONES (2006) de Brad Silberling
TERESA, CUERPO DE CRISTO (2007) de Ray Loriga

En vísperas de estreno o en fase de producción

LA CASA DE LAS ALONDRAS (2007) de Paolo y Vittorio Taviani
DARE TO LOVE ME (2008) de Alfonso Arau

10 jul. 2007

Alejandra Guzman


Alejandra Gabriela Guzmán Pinal nació el 9 de febrero de 1968 en el seno de una familia artística por excelencia. Su padre, el legendario cantante Enrique Guzmán, es considerado como el rey del rock en español, en tanto que su madre, la actriz Silvia Pinal, es una de las principales figuras de la época dorada del cine mexicano, de la televisión y del teatro.

Después de una infancia llena de contacto con el ambiente artístico, así como de propia preparación con clases de canto, ballet y jazz, a los 17 años incursiona en los escenarios en la obra de teatro Mame, de la que su mamá era la productora, y de ahí no se alejaría jamás de los entarimados.

Tras esa experiencia el debut musical de Alejandra era inminente, y así en 1988 aparece su primera producción Bye Mamá, que incluía el tema La plaga, mismo que hiciera famoso su padre algunas décadas atrás, y que ahora le serviría a ella para impulsar su carrera.

Un año más tarde llegaría Dame tu Amor, el segundo disco que refrendaría el éxito conseguido con el primero, y que de paso situaría a Alejandra ya no tanto como una promesa sino como una realidad en el pop rock en español.

A pesar de que esas dos primera producciones lograron tener gran éxito en México, no sería sino hasta 1990 con la salida de Eternamente bella que sus logros se extenderían hasta Estados Unidos, Centro y Sudamérica, gracias a éxitos como Eternamente bella y Ten cuidado con el corazón. Ese mismo año debuta en el cine con la película Verano Peligroso.

La década de los años 90 inició para La Guzmán con el disco Flor de papel, que desprendió varios éxitos como Hacer el amor con otro, Güera, Reina de Corazones y la propia Flor de Papel. Sin embargo, a inicios de ese decenio también se presentaría uno de los acontecimientos más importantes en su vida, el nacimiento de su hija Frida Sofía, que llegó al mundo en marzo de 1992.

Después de una pausa por su embarazo y el nacimiento de su hija, Alejandra regresó con nuevos bríos en 1993 con el disco Libre, que incluía los sencillos Mala hierba y Mírala, míralo.

En 1994 llegó su disco Enorme y un año después la cantante mexicana ofreció su primer concierto en Europa, específicamente en Barcelona, España. Ese mismo año también participó en el célebre festival de Viña del Mar, en Chile.

Seguirían las producciones Cambio de piel (1996), La Guzmán (en vivo, de 1997) y Algo natural (1999). A la par de estos, la vida personal de la cantante no tuvo buenos momentos, pues tuvo un matrimonio que terminó a los pocos meses, su hija tuvo un intento de secuestro, el fallecimiento de su abuela materna, además de que los problemas con las drogas y el alcohol seguían presentes.

En el 2001 regresa con una nueva producción, Soy, la cual la pone de nueva cuenta en los primeros planos y le provoca recibir un Latin Grammy en el 2002.

A este disco seguirían Lipstick en el 2004, y posteriormente Indeleble dos años más tarde, en los que ya se mostraba una Alejandra Guzmán más madura como persona y artista, y en donde se reflejó que las malas experiencias habían quedado atrás, y una nueva etapa estaba iniciando

Alacranes Musical



Originarios de Emiliano Martínez del municipio de Santa María Del Oro, en el estado de Durango, México, Alacranes Musical está en la categoría de la "tecno-banda", con un sonido totalmente renovado y con un sabor muy al estilo del tamborazo zacatecano, género musical tradicional de la época de la Revolución Mexicana, el cual le da un estilo propio y moderno a estos talentosos músicos.

Alacranes Musical es el nombre que deciden darle a la banda porque el alacrán es un símbolo muy distintivo de su estado natal. Su estilo y sonido lo definieron con el nacimiento y desarrollo que logró penetrar el ritmo "duranguense" y su evolución artística les ha permitido ser de los privilegiados grupos en continuar vigentes y ser denominados como "Los Príncipes de la música duranguense".

El grupo ha compartido el escenario en sus masivos bailes con artistas y agrupaciones como Banda El Recodo, Rieleros Del Norte, Conjunto Primavera, Tigres del Norte y Ramón Ayala, entre otros.

Con una carga de buena energía y después del rotundo éxito logrado en los últimos años, Alacranes Musical espera ansiosamente continuar su asenso como una de las imperiosas agrupaciones "duranguenses".

Su producción del 2006, A paso firme, reafirma la condución de la banda como una de las consentidas del público en México y Estados Unidos, gracias a la combinación de la polka, la cumbia, la balada, todo sin dejar de lado el sonido duranguense.

En el 2007 se espera su disco De Chihuahua a Durango, con el que esperan escalar nuevamente las listas de popularidad, y refrendar su condición de éxito.


fuente - http://www.univision.com/uv/music/1590953/Alacranes_Musical/biografia

El latino más sexy

Chayanne, uno de los hombres más sexies


Una vez más la revista People hizo de las suyas, pero esta vez se trata de su edición en inglés, en la que se realizó una incansable investigación para encontrar a 'los hombres vivos más sexies' alrededor del mundo, y la sorpresa es que dentro de sus páginas aparece uno de los galanes latinos favoritos: ¡Chayanne!
Los sabemos, debería de haber más. ¿Qué pueden tener Tom Cruise y Brad Pitt que no tengan Ricky Martin o Luis Miguel? Por fortuna alguien se dio cuenta y por lo menos incluyeron a uno de estos guapos latinos en su lista.

Y ni los galanes más cotizados de Hollywood pudieron quedarse con el lugar que le corresponde a Chayanne, quien no sólo gracias a su físico sino también a su larga trayectoria y al éxito de su nuevo álbum Cautivo, fue nombrado por la revista People en inglés como uno de 'los hombres vivos más sexies', en su más reciente edición.

La lista está conformada por 15 figuras públicas, entre las que destacan actores, cantantes y empresarios. Chayanne fue el único latino elegido para compartir los suspiros de las chicas con galanes como Matthew McConaughey, Vigo Mortensen, Vince Vaughn y Clive Owen, entre otros.

Dentro de sus páginas se reseña, además de su carrera, su nuevo disco, el cual debutó en el número uno del Billboard el mes pasado, en tanto que el primer sencillo No te preocupes por mi se colocó, al igual que el resto de sus éxitos pasados, en el Top Ten hit. Esto, sumado a sus atributos físicos, lo convierten en uno de los chicos "más guapos y atractivos del momento".

A su vez, la revista People en Español nombró a Cautivo como uno de los mejores discos del año.

"Yo me ilusiono", dice Chayanne para describir lo que late en su corazón. "Llevo toda la vida en la música. Y el secreto está ahí. Donde tienes amor, pasión, sentimiento, todo eso marca la diferencia. Que quieres hacer una gira o cambiar de pasos en el escenario, es porque lo estás disfrutando y la gente va a disfrutar contigo ese momento".

Con 25 años de trayectoria, 19 álbumes y más de 10 millones de discos vendidos, Chayanne está a la altura de cualquiera: es guapo, sexy, latino, exitoso y ¡está vivo! ¿Qué más puedes pedir?

fuente - http://www.univision.com/content/content.jhtml?cid=743824

6 jul. 2007

Benito Quinquela Martin


"Vuelta de Rocha"

Pintor, grabador y muralista argentino nacido en Buenos Aires, el 1º de Marzo de 1890; muerto en la misma ciudad, el 28 de enero de 1977. De origen muy humilde, sin hogar familiar, concurrio de noche a una modesta academia de dibujo del barrio de la Boca. Trabajo en las labores portuarias. Mientras pintaba en su zona favorita fue descubierto por Pio Collivadino, quien lo alento a proseguir. Se inicio en el dibujo de retratos y pronto recurrio al color. Envio su primer cuadro al Salon Internacional en 1918, y dos años mas tarde obtuvo el segundo premio en el mismo. Realizo exposiciones individuales y en 1920 efectuo una muestra en Rio de Janeiro, en donde obtuvo un primer exito efectivo. Seguidamente visito Europa y Estados Unidos exponiendo en Madrid (1923), Paris (1926), Nueva York (1928), La Habana (1928), Roma (1929), Londres (1930), etc. En 1936 decoro ls Escuela-Museo Pedro de Mendoza en el barrio de la Boca; el despacho del ministro y el comedor de obreros del Ministerio de Obras Publicas; decoraciones en el subterraneo, etc.

Es el pintor del Riachuelo, no solo por ser el primero que desarrollo su labor tratando los temas de la zona, sino por el caracter inconfundible de su obra. En telas de grandes proporciones reflejo escenas portuarias y de los astilleros, dandoles una fuerte expresion de actividad, de vigor, de aspereza, como muestra de la vida de la zona boquense. El gobierno nacional dono algunos de sus cuadros a la ciudad de Montevideo y a los centros navales de Brasil, Peru y Japon. Se halla representado en los mejores museos de Europa y America. Entre sus obras figuran las siguientes: A pleno Sol (Jockey Club, Buenos Aires), Mañana Luminosa en la Boca (Escuela Naval), Dia de sol en el Riachuelo (Centro Naval), Crepusculo en el astillero (Museo de Bellas Artes Pedro de Mendoza), Dia gris en la Boca (Centro Naval, Rio de Janeiro), Rincon Boquense (Secretaria de la Presidencia, Montevideo), Actividad en la Boca (Centro Naval, Lima), Elevadores a pleno sol (Museo Nacional de Bellas Artes, Lima), Dia de sol en la Boca (Centro Naval, Tokio), Buque en reparacion (Museo de Arte Moderno, Madrid), Tormenta en el astillero (Museo Luxemburgo, Paris), Dia de sol (Metropolitan Museum, Nueva York), Sol de mañana (Tate Gallery, Londres), Puente de la Boca (Palacio Saint James, Londres), etc.

Emilio Pettoruti

Pintor e innovador, introductor en la Argentina de las vanguardias europeas que conoció en sus viajes a Europa a principios de siglo.
Admirador de Paul Cezanne, sus primeras enseñanzas las recibió en La Plata, su ciudad natal, del maestro Atilio Boveri. Además recibió durante un año lecciones del arquitecto Emilio Coutaret, en el Museo de Historia Natural.
El joven Pettoruti copiaba o dejaba correr libremente el lápiz de los primeros tiempos, en el bosque y en el Museo platenses.
En 1911, en la sala del diario "Buenos Aires", de la ciudad de La Plata, hizo su primera muestra de caricaturas. Una de ellas era del diputado Rodolfo Sarrat, quien le otorgó entonces una beca, con la que viajó a Florencia en 1913.
El mismo Pettoruti relataría años después, que al desembarcar en Génova, primera escala de su viaje, compró en una librería la revista "Lacerba", que anunciaba un artículo de Giovanni Papini en la tapa. El título era: "Franqueza con los imbéciles". En él, Papini postulaba la tesis de que todos los hombres son imbéciles, excepto los futuristas. Pettoruti contaba en ese entonces con 20 años y visitó reiteradamente la Esposizione Futurista "Lacerba".
En su obra "Armonía" se advierte que Pettoruti asimiló del futurismo la problemática de la representación abstracta del movimiento, al decir de Jorge Lopez Anaya, en su "Historia del arte argentino".
En julio de 1916, época de su encuentro con Xul Solar, Pettoruti expone por primera vez en la galería Gonelli, de Florencia. "Pensierosa" (1920) está vinculada al cubismo. El 31 de julio de 1924 regresa a Buenos Aires y realiza en la galería Witcomb su primera muestra, que inaugura el 13 de octubre. Consta de 86 trabajos entre pinturas, dibujos, mosaicos, diseños y escenografías para teatros de títeres. Su irrupción revolucionaria dividió rápidamente las aguas.
Durante 17 años, entre 1930 y 1947 dirigió el Museo Provincial de Bellas Artes, de La Plata. En 1942 viajó a Estados Unidos para exponer en el San Francisco Museum of Art, de California. En 1952 viaja a Europa y en 1953 se radica en París, hasta su muerte.

Carlos Morel

Pintor y litógrafo argentino nació en Buenos Aires el 12 de Febrero de 1813 y murió en Quilmes el 10 de Septiembre de 1894.
Su padre, José María Morel y Pérez era un rico comerciante español, su madre, Juliana Miró, hija de un funcionario de la Real Renta de Tabacos. En 1825, cuando contaba doce años, falleció su pare y su desaparición incide decisivamente en las posibilidades futuras del hogar y obliga a los dos hijos varones, Estanislao y Carlos, a incorporarse tempranamente a los negocios paternos. Ambos hermanos resuelven emprender el estudio del dibujo en la rudimentaria escuela dependiente de la Universidad, a cargo del suizo José Güth y el italiano Pablo Caccianiga. Estanislao abandona muy pronto el estudio, pero Carlos sigue regularmente los cursos que se prolongan hasta 1831.
Fueron condiscípulos suyos en ese período, Fernando García del Molino, Ignacio Baz y Eustaquio Carrandi, quienes se habrían de destacar como pintores en los años subsiguientes. En el año 1830 su madre contrajo segundas nupcias con el artista italiano Cayetano Descalzi, notable retratista, autor del magnífico retrato de Rosas, grabado por Lemercier en París en 1844.
Morel recibió lecciones de su padrastro antes de la separación de Descalzi, por desarmonía conyugal, que llevaron a un expediente de divorcio promovido en 1838 por la madre de Morel.
Hasta 1834 vivió dedicado al comercio: en 1835-36 realizó los retratos de Vicente Corvalán y Rosas y su esposa Encarnación Ezcurra, en colaboración con su antiguo compañero de la Escuela de Dibujo de la Universidad, Fernando García del Molino. Ese mismo año de 1836 hizo su primer trabajo litográfico conocido, El Descendimiento.
Su nombre trasciende ya el medio y Marcos Sastre, en su recordado discurso de inauguración del Salón Literario, en 1837, pronuncia su nombre junto a los de Fernando García del Molino, Marcelino Saint Arroman y Antonio Somellera, expresando que "de todos estos se gloriará algún día la nación". En el año 1841 colabora en la confección del magnífico álbum Recuerdo del Río de la Plata, editado por Carlos Enrique Pellegrini en la Litografía de las Artes. Realizó un viaje a Río de Janeiro en 1842 permaneciendo dos años en aquella ciudad. De regreso en Buenos Aires en junio de 1844 publicó su álbum Usos y Costumbres del Río de la Plata, también impreson en la Litgrafía de las Artes.
De esta obra se realizaron dos ediciones: la nombrada en 1844, y una segunda en el siguiente año, integradas ambas por portada y diez hojas en folio mayor. Contiene los siguientes motivos: El cielito, Puertas del cementerio, Peones troperos, Vista de una casa sobre el río, Las lavanderas, El tambo, El lazo, La carreta, Parada de tropa, La partida, El camino, Carga de Mendoza, El pastoreo, El ombú, Coraceros, Caballo espantado, Caballería.
Este trabajo, notable exponente de su labor como litógrafo, ha sido motivo de frecuentes reproducciones para ilustrar artículos sobre temas folklóricos, históricos y costumbristas. En sus simpáticas escenas, plenas de humanidad, surge toda una galería de tipos porteños de la época: soldados, aguateros, lavanderas, gauchos, etc.
En esos años un suceso trágico conmueve hondamente la sensibilidad del artista, Julián Durpuy, casado con su hermana Indalecia Morel, es bárbaramente asesinado por los sicarios de la tiranía rosista. A partir de 1844 solo produce obras de mérito muy relativo, copias en su mayor parte; su paleta ha perdido la fuerza expresiva de otros tiempos. Desde esa fecha y hasta 1870 no hay detalles de su vida; se lo supone radicado en Quilmes, en el hogar de su hermana Indalecia, y una guía comercial de 1870 lo menciona como fotógrafo en aquella ciudad. Es sabido que el daguerrotipo y la fotografía desplazaron, al menos parcialmente, a los retratistas al óleo, obligando a muchos artistas a dedicarse a la fotografía.
Disminuida considerablemente su personalidad por el trastorno mental que le ocasionó la horrible muerte de su cuñado, pasa sus últimos años entregado a la pintura por lo general de motivos religiosos, a trabajos de bordado y a la lectura de libros y periódicos que llegan a su casa.
Cultivó la música con acierto, y sus ejecuciones en el violín hasta avanzada edad, permiten suponer un intenso aprendizaje.
En 1877 realiza un retablo para la iglesia de Quilmes, trabajo elogiado por el diario local "El Quilmero", que expresa en un artículo los sucesos familiares que decidieron al artista a hacer abandono de los pinceles durante muchos años.
Vivió así sus últimos años, rodeado por el afecto de sus sobrinos, falleciendo a los 81 años, siendo sepultado en el cementerio de Quilmes.
Su paleta y su caja de pinturas se conservan en el museo local.
Morel es, cronológicamente considerado, el primer pintor argentino.
Fue el primer artista nacional que dejó una obra de apreciable valor artístico, dentro de las limitaciones impuestas por el medio que desarrolló su actividad. Pintó al óleo, a la acuarela, dibujó y litografió, abordando todos los géneros: el retrato, los temas religiosos, el paisaje, la pintura de costumbres, la pintura de historia, con hábil composición y fino colorido. Aventajó a sus contemporáneos en la forma que interpretó nuestras escenas de costumbres: el no captó nuestros usos ni pintó nuestras ciudades y paisajes como lo hacían los viajeros que buscaban generalmente lo exótico de estas escenas, sino que interpretó con los ojos del alma y del intelecto fundidos en su pasión de artista sincero.

Cándido López



Pintor argentino nació en Buenos Aires el 29 de Agosto de 1840 y murió en Baradero, provincia de Buenos Aires, el 31 de Diciembre de 1902.
Cursó estudios artísticos en Buenos Aires con Carlos Descalzo y con los maestros italianos Baldasarre Verrazzi e Ignacio Manzoni, ambos destacados retratistas.
En 1858 compuso un Autorretrato de muy buena factura. En ese mismo año, con motivo de la inauguración del Asilo de Mendigos de Buenos Aires, donó a esa institución el óleo: La Caridad. Juzgando que ya había aprendido lo suficiente como para ganarse la vida con su arte, se alejó de Buenos Aires al interior del país, dedicándose al retrato.
En 1858 pintó un San Jerónimo en la iglesia de San Luis Gonzaga de Mercedes. En 1859 viajó a Mercedes, Chivilcoy, Bragado, Luján, Carmen de Areco y Baradero realizando numerosos daguerrotipos, arte que practicó con su maestro Carlos Descalzo, pintor y fotográfo.
Varias familias de Chivilcoy conservaban daguerrotipos hechos por Cándido López asociado con Juan M. Soulá un fotógrafo francés de Mercedes en Mayo de 1861.
En su Libro de Gastos y en su Diario de Viaje hay detalles de estas actividades. En noviembre de 1862 hizo el Retrato del general Mitre, de gran tamaño, en Mercedes.
La declaración de la guerra con el Paraguay lo sorprendió en 1865 en San Nicolás de los Arroyos y allí mismo se incorporó, con el grado de teniente segundo, al batallón de Guardias Nacionales que, bajo las órdenes del comandante Juan Carlos Boerr, integró el Primer Cuerpo de Ejército al mando del general Paunero.
Partió para la guerra. El patriota y el artista vibraron al unísono. Fiel a su vocación, llevó en sus bártulos lo necesario para tomar apuntes y realizar bocetos de las escenas bélicas en las que participó. Intervino en las principales acciones y entretanto documentó lo que veía. El retratista se transformó en paisajista; en sus pequeños bocetos encerró vastas perspectivas panorámicas que mostraron a las tropas argentinas, brasileñas y uruguayas en operaciones contra los paraguayos. El paso del río Corrientes; el embarque en Paso de los Libres; el campamento de Uruguayana; la escuadra en Paso de la Patria; las grandes acciones de Yatay, Estero Bellaco, Tuyutí, Boquerón y Curupaytí.
En el asalto de Curupaytí el 22 de septiembre de 1866, una granada le destrozó la mano derecha y el médico militar, doctor del Castillo, se vio obligado a amputarle el brazo. No se intimidó ante esta desgracia, reeducó su mano izquierda y a los pocos meses envió a ese médico un cuadro como prueba de que su invalidez no había frustrado su afición pictórica. A raíz de este episodio guerrero López es conocido como "el manco de Curupaytí".
Después de la guerra de dedicó a pintar escenas de la campaña. Vinculado con el artista italiano Ignacio Manzoni, copió de este algunas escenas de batallas, asimilando la soltura del dibujo del fecundo pintor itálico. Con Manzoni afinó asimismo su paleta, logrando mayor riqueza tonal. Su plan fue realizar alrededor de noventa óleos, consagrándose a esa tarea con la pasión de un misionero. Dedicó su vida a rememorar esa campaña, deseando dejar estampada en imágenes las distintas acciones de la misma para las generaciones futuras.
Hizo cincuenta y dos cuadros, de los cuales nueve están dedicados al asalto en Curupaytí. En 1885 expuso en Buenos Aires una serie de veintinueve cuadros, los que fueron adquiridos por el Congreso Nacional, hoy en el Museo Histórico Nacional.
Alternó esta labor con algunas naturalezas muertas que pintó para parientes y amigos. No alcanzó a componer las noventa obras proyectadas sobre la guerra del Paraguay y algunas de las últimas que pintó han quedado inconclusas. Documentar esa campaña fue su fundamental pasión y denota en sus trabajos calidades pictóricas innegables. Para una justa apreciación de sus cuadros es indispensable estudiar su pintura como arte ingenuo, espontáneo y natural, sin ataduras de escuela.
Fue auténtico "naïf", a mediados del siglo XIX, cuando la crítica no apreciaba aún el valor estético de dicho arte, que más tarde, ante el caso del "aduanero Rousseau" y otros, valorarían las escuelas de vanguardia como la expresión más auténtica de antiacademicismo. Este primitivo ocupa un lugar importante en la historia de la pintura argentina, con relieves muy particulares. Reflejó en sus cuadros el paisaje autóctono con gran veracidad, amplias visiones panorámicas del río y de la selva, lujo de detalles, ajustadas matizaciones tonales y claroscuros ricamente valorados. Se halla representado en los museos Nacional de Bellas Artes, Histórico Nacional y Colonial e Histórico de Luján.
Sus cuadros de la guerra del Paraguay poseen un gran valor artístico y documental. El paisaje se presenta en todo su esplendor en cada obra suya. Las escenas de campamento y la marcha del ejército con sus bandas musicales aparecen con todo detalle en forma minuciosa y prolija y con gran delicadeza.
En 1973 se publicó en Río de Janeiro un álbum de gran formato con el título: A Campanha do Paraguai. De Corrientes a Curupaiti. Vista pelo teniente Cándido López, con 48 láminas en colores.
En 1976 se publicó en Parma por Francesco María Ricci, Immagini della guerra del Paraguay, con 156 láminas en colores que reproducen cuadros de Cándido López.

Florencio Molina Campos


Dibujante y pintor costumbrista argentino, nacido en Buenos Aires el 21 de Agosto de 1891. Fue profesor de dibujo en el colegio nacional Nicolas Avellaneda de Buenos Aires, entre los años 1926 y 1948. Reflejo en sus obras temas del campo argentino y la vida de gauchos y paisanos, genero que cultivo en el terreno de la pintura, el dibujo, la ilustracion y la caricatura. Sus trabajos han sido expuestos en Paris, Nueva York y Los Angeles. Ilustro el Fausto de Estanislao del Campo. Su primera muestra individual la efectuo en 1926, en la Sociedad Rural de Palermo, inaugurada por el presidente Alvear. Dejo en sus obras una vision novedosa del campo argentino y de sus paisanos, un poco caricaturescay otro poco melancolica, pero de un realismo y de una autenticidad indudables. Durante muchos años ilustro con sus paisanos almanaques de propaganda comercial. Fue periodista, pronuncio conferencias, publico cuentos, escribio criticas artisticas y colaboro en revistas y diarios. En 1950 obtuvo el premio "Clarin" en el Salon Anual de Dibujantes. Su esposa Maria Elvira Ponce Aguirre y sus amigos crearon la Fundacion que lleva su nombre en 1969 y el Museo en 1979 en el partido de Moreno. En 1939 es contratado por firmas norteamericanas para trabajos de publicidad, y la campaña fue considerada la de mayor acepatacion del año. En 1943 comienza otra serie de almanaques en Estados Unidos, para una firma relacionada con el campo, haciendose popular en todos los lugares del pais. Sus originales figuran hoy en la Universidad de Texas, y es el unico artista extranjero en la Galeria Charles M. Russell de Montana. En 1942, Walt Disney lo habia contratado para sus estudios como asesor para la produccion de varias peliculas de dibujos animados de ambiente argentino: "El gaucho volador", "El gaucho reidor", "Goofy se hace gaucho" y "Saludos, amigos". Ese año ilustra el Fausto de Estanislao del Campo, y en 1946, Vida Gaucha, libro de texto para estudiantes norteamericanos de español. Dejo ilustraciones para Tierra Purpurea, de Hudson, y bosquejo el Martin Fierro y Don Segundo Sombra. En 1956 viajo a Alemania occidental como invitado de honor al Festival Internacional Cinematografico, llevando la pelicula Pampa Mansa sobre motivos argentinos...

De su debut de 1926 en La Rural, siguieron varias muestras similares, completadas con las realizadas en Mar del Plata en plena temporada, hasta alcanzar a Paris, donde se le agoto su obra; Nueva York, Palm Springs, Los Angeles, Passadena, Laguna Beach, San Francisco, El Monte, Claremont (California), Minneapolis y Washington, y festejando el 30º aniversario de sus exposiciones, en la Galeria Sudamericana de Nueva York, hasta su ultima en la Galeria Argentina de Buenos Aires en 1959. Fallece el 16 de Noviembre de 1959 en la ciudad de Buenos Aires.

Juan Carlos Castagnino



Pintor y dibujante argentino. Nació en Mar del Plata el 19 de noviembre de 1908.
En 1928, realizó estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes "Ernesto de la Cárcova".
Sus maestros fueron Torcelli y Ripamonte. En 1932 ingresa como ayudante en los talleres de Lino Enea Spilimbergo, Miguel. C. Victorica y Gómez Centurión.
Un año después, realiza dirigido por el artista mexicano David Alvaro Siqueiros, y junto a los argentinos Spilimbergo y Antonio Berni, entre otros, los murales de la quinta de Natalio Botana, el director del diario "Crítica".
Esta obra retrata el ambiente de conflicto social que se desarrolló en el pasado inmediato en el país, con los sucesos de la Semana Trágica (1919) y el levantamiento de los peones de las estancias del sur conocidos como "Patagonia Rebelde" (1921). En 1942 realiza un viaje de estudios por Italia, España y Francia.
De regreso a nuestro país, se le otorga el Tercer puesto en el Premio Nacional de Pintura en 1943. En 1944, gana el Segundo puesto en el mismo certamen. En 1948 gana el Premio Nacional de Pintura. En 1952 viaja a extremo Oriente, donde, en 1961 gana el Premio Especial en la Bienal de Saigón. En 1958 gana la medalla de oro en el Premio Internacional de Pintura de Bruselas. En 1963 es nombrado miembro de la Academia Nacional de Bellas Artes y en ese mismo año la Editorial Universitaria de Buenos Aires publica una edición de lujo del Martín Fierro ilustrada con dibujos de Castagnino. Entre 1964 y 1966 se radica en Roma desde donde recorre Europa realizando diversas muestras de su obra. El 21 de abril de 1972 muere en Buenos Aires.

Vito Campanella

Pintor argentino de origen italiano nacido en Monopoli, Bari, el 17 de Octubre de 1932. Radicado en la Argentina en 1955, reside en Buenos Aires. Estudio en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milan y en otros centros culturales y estudios de importantes artistas europeos.
Es considerado uno de los surrealistas mas destacados a nivel mundial. Realizo numerosas exposiciones individuales y colectivas y sus trabajos figuran en importantes museos y colecciones privadas. Asimismo, fue distinguido en diversas oportunidades con premios en salones internacionales donde es constantemente invitado a participar.
De su formacion Campanella ha dicho: "Mis maestros fueron De Chirico y Dali. De Dali deberia decir que, a pesar de haberle dado toda mi admiracion y mi cariño, no recibi nada. Es un ser egocentrico y necesitado de una corte de incondicionales, pero, aun a su pesar, el solo estar cerca de sus obras me resulto valioso. Con Giorgio De Chirico todo fue muy diferente. Charlabamos horas y horas y a el le debo haberme introducido en el mundo de la metafisica".
Los criticos lo encasillan com surrealista, pero no se detiene demasiado a analizar la precision de tan socorrida clasificacion. "Yo me he limitado a pintar, a pintar incansablemente. Empece en todo caso siendo un impresionista, y hasta pase por lo que luego se llamaria "pop art". Hacia "pop" cuando aun no era moda. Luego arribe a esto que los criticos califican de surrealismo y que es lo que me permite expresarme mejor. Y si digo que los criticosme definen como surrealista no es para establecer desacuerdo, sino simplemente porque no podria definir mi pintura. Yo pinto y listo".
"Mi pintura tiene siempre un dejo renacentista. Tal vez porque, naci en Bari, Italia. Llegue a la Argentina en 1955, alrededor de los veinte años. Aqui hice toda mi carrera, pero sin duda, el clima de las ciudades italianas fue determinante en mi pintura. Encontrarse con el arte a la vuelta de casa de cada esquina termina por marcarnos de un modo insensible pero indeleble. Tal vez por eso los criticos, los mismos que me ubican como surrealista, señalan tambien el "clima" de Renacimiento de mis trabajos".
Sus obras estan en la Galeria Degli Uffizi, en los Museos de Arte de varias grandes capitales del mundo, y ha expuesto con gran exito en los Estados Unidos, Francia, Belgica, España y Japon. En 1985 expuso en La Cuadra, en el Bajo Belgrano, una retrospectiva que abarca quince años, con las series: Martin Fierro, Mitologicas, Los centauros, Los payasos, Esotericas y La alquimia.
La propia variedad tematica mueve a una explicacion: "Me sacuden cosas en mi entorno. Una poesia, un tema musical, algun hecho social o politico, algo roza mi sensibilidad y empieza a generar imagenes en mi mente. Cuando pinte las series que yo llame de mayor elaboracion, porque me demandaron mas tiempo, busque inclusive escenarios reales. Para la de Martin Fierro me traslade a La Pampa, para la de la Biblia a Israel".
Entre los premio obtenidos por el artista figuraron: Salon Internacional de Montecarlo (1972), Gran Premio Homenaje en Punta del Este (1975), Salon de Caracas (1976), Salon Internacional de Milan (1977), Salon Internacional de Montecarlo (1978), Concurso Unicef de Turin (1979), Salon Bienal de Paris (1982).
Expone sus obras desde 1972 en Buenos Aires, Chicago, San Pablo, Caracas, Montecarlo, Turin, Paris, Montevideo, etc. Se halla representado en los siguientes museos: Museo de Arte Moderno - Joannesburgo. Museo de Arte Moderno - Buenos Aires. Museo de Arte Moderno - Tel Aviv. Museo Provincial de Bellas Artes - Mar del Plata. Museo Gomez Cornet - Santiago del Estero. Museo de Bellas Artes - Athenas. Museo de Arte Moderno - Armenia. Galleria Degli Uffizi - Florencia.

Maitena Burundarena

Dibujante y humorista argentina, nació en Buenos Aires, en mayo de 1962. Después de trabajar varios años como ilustradora en diarios y revistas (Ambito Financiero, Vivir, Claudia Libre, Mujer) se inclinó hacia la historieta.
Sus personajes desfilaron por las páginas de Tiempo Argentino, El cronista comercial, Sex Humor, Fierro y Cerdos y Peces, entre otros medios gráficos.
Publicó historietas eróticas en Francia, Italia y España, y realizó ilustraciones de textos para diversas editoriales argentinas (Planeta, Santillana, Troquel, Atlántida y Perfil entre otras). Además se desempeñó un tiempo como diseñdora gráfica, fue guionista de televisión y realizó una serie de dibujos animados y cortos publicitarios.
Y en este rincón las mujeres fue el nombre de su primer libro publicado por Ediciones de la Flor. Luego llegaron sus grandes éxitos, con Mujeres Alteradas 1, 2, 3, 4 (Editorial Atlántida) y 5 (Editorial Sudamericana), estas son recopilaciones de los trabajos que la autora publica desde 1993 en la revista Para Tí, en la cual tiene una página semanal de historietas. Desde septiembre de 1998, los personajes de Maitena poseen también su propio lugar en la página de humor del diario La Nación, adonde aparecen todos los días bajo e título de Superadas.

Julio Bocca



Nació en Munro, provincia de Buenos Aires en el año 1967. Estudió danzas en el estudio de su madre desde los tres añoa y a los siete ingresó en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.
Luego de obtener la Medalla de Oro en el concurso del Ballet de Moscú, en 1986 fue contratado por el American Ballet Theatre dirigido entonces por Mikhail Baryshikov.
Ingresó al American Ballet Thatre siendo un adolescente y mantuvo ese puesto durante años. Bocca reconoció ante la prensa que "en el American soy un poco el papá. Soy casi el más grande y algunos bailarines nuevos me miran como a un señor".
En 1987 fue considerado el mejor intérprete del año por el prestigioso diario "The New York Times". Fue primera figura en las más prestigiosas compañías de danza clásica y contemporánea, como el Ballet del Bolshoi, el Ballet del Teatro Kirov, el Royal Ballet, y las compañías de Twyla Tharp y de Mark Morris.
En 1988 protagonizó en Buenos Aires lo que fue registrado por la prensa local como el espectáculo nacional más impactante del año: Julio Bocca y el cuerpo estable del Teatro Colón bailaron gratis para cien mil personas en la Avenida 9 de Julio.
En 1990 fundó el Ballet Argentino de Julio Bocca que debutó en Mar del Plata y con el que recorre importantes teatros y estadios nacionales, de Europa, Latinoamérica y EE.UU.
En 1995, Julio Bocca y el Ballet Argentino se presentaron en España, Portugal, Italia y, como celebración de los diez años del célebre premio de Moscú, en el City Center de Nueva York.
En 1996 realiza el tour "La vuelta al mundo" visitando los cinco continentes, incluyendo funciones en el Palacio Hermitage y el Teatro Kirov de San Petersburgo. Su personalidad emprendedora no permite que pase un tiempo sin producir algo nuevo.
En 1999 presentó su espectáculo Bocca Rock gratis en la cancha de River y bailó en Ushuaia edurante los sets realizados para recibir al 2000. Y durante ese año integró el elenco de la comedia "Musical Fosse" en Broadway.

Antonio Berni

Pintor y grabador argentino nacido en Rosario, provincia de Santa Fe el 14 de Marzo de 1905; muerto en Buenos Aires, el 13 de Octubre de 1981. Comenzó sus estudios vocacionales en su ciudad natal, completando su instrucción en Europa, mediante becas otorgadas en 1925 por el Jockey Club Rosarino y por el gobierno de la provincia de Santa Fe. Viajó por Francia, España, Italia, Bélgica y Holanda, visitando sus principales museos y los talleres de artistas famosos. Se radicó en París hasta 1931, siguiendo cursos de perfeccionamiento en la academias de André Lothe y Othon Friesz. De ese período se conservan una serie de desnudos figurativos con influencias de estos dos grandes maestros europeos, realizados en París. Precozmente debutó en público con una muestra personal en el año 1921 en la Galería Witcomb de Rosario, realizando dos años después en la Capital Federal otra exposición de sus obras. Luego efectuó con regularidad diversas presentaciones particulares en distintos salones de Rosario, Buenos Aires, Montevideo, Madrid, París, Varsovia, Berlín, Moscú y Bucarest. Desde 1925, en que participó por primera vez en el certamen oficial del viejo Salón de Retiro, concurre con asiduidad a la mayoría de las competiciones nacionales y provinciales, en las que obtuvo numerosas y significativas distinciones, cuyas principales enumeraremos: Premio Adquisición Salón Nacional (1925), Primer Premio Salón Nexus de Rosario (1926), Segundo Premio Municipal Salón Nacional (1936), Segundo Premio Salón Municipal de Córdoba (1944), Primer Premio Panel Decorativo Salón de Artes Decorativas (1937), Primer Premio Composición Salón Nacional (1937), Primer Premio Salón River Plate (1939), Primer Premio Salón Nacional (1940), Primer Premio Salón de Santa Fe (1941), Gran Premio Adquisición Salón Nacional (1943), Premio Internacional de Grabado y Dibujo de la Bienal de Venecia (1962) y en Lujbiana (1965), Cracovia (1966) y Berlín (1967). Formó parte en diferentes exhibiciones de grupos o sociedades artísticas, siendo invitado a concurrir a numerosas exposiciones nacionales e internacionales, entre otras: Uruguay, Chile, San Francisco, París, Nueva York, Madrid y en distintas ciudades de Estados Unidos. Ha realizado varios paneles decorativos, bocetos escenográficos, ilustraciones y colaboraciones en libros, periódicos y revistas del país y extranjeros.

Fue miembro jurado en numerosos salones nacionales, provinciales, municipales y societarios. Fue Presidente de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos y Profesor de Dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes. En 1941 la Comisión Nacional de Cultura lo encomendó para realizar estudios sobre arte americano y precolonial en los países de América. Está representado en los principales museos provinciales del país, en el de Bellas Artes de la Boca, en el Municipal de Bellas Artes Plásticas Eduardo Sívori y en el Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. En el museo de Arte Contemporáneo del Hemisferios Occidental (EE.UU), en el Nacional de Bellas Artes de Montevideo y en el Nacional de Arte Moderno de Nueva York. Museo de Saint Denis (Francia). Ha reflejado en sus obras de caballete, en sus ilustraciones o en sus murales temas de ambiente popular, rurales o urbanos, en que describe tipos y costumbres argentinos con un significado de prédica social.

Con motivo de una exposición retrospectiva de la obra de Berni, entre los años 1922 y 1965. efectuada en el Instituto Di Tella de Buenos Aires en esa última fecha, dijo Jorge Romero Brest: "Cuando un artista llega a tener cincuenta años está generalmente fijado, lo que significa adopción de los supuestos para trabajar en la segunda parte de su vida. Es cierto que nuestra época es cada vez más reacia al ¨estilo¨, induciendo a cambios que los desnaturalizan; es cierto que más prudente es hablar de ¨actitud¨ para denominar lo permanente en la obra de alguna manera y por ahora el ¨estilo¨ o la ¨actitud¨ perdura como estructura flexible de formas aun en la obra de los más avanzados. Por eso sorprende el ¨cambio¨ ocurrido hace aproximadamente cinco años en el modo como en Antonio Berni. Porque parece no haber conservado ni siquiera la ¨actitud¨ , abierto a un abismo entre las imágenes de corte ¨neorrealista¨ que hizo anteriormente y las que relatan la vida de Juanito Laguna o Ramona Montiel. Como si hubiese girado ciento ochenta grados y descubierto el ámbito de la poesía visual que le había sido esquivo. Sin embargo el abismo puede no ser profundo y el giro no tan amplio, ya que Berni persona sigue siendo Berni, sin que haya evidenciado un ¨cambio¨ en sus ideas y en su conducta. ¿Cómo no plantear abiertamente el ¨caso¨ entonces, si a consecuencia del ¨cambio¨ obtuvo uno de los premios en la Bienal de Venecia en 1962. Para hacerlo se ha organizado esta exposición, en la que Berni presentará sus obras últimas y algunas anteriores; curioso él mismo, estoy seguro, de los resultados del cotejo. Y suspendo el juicio para dar a mi experiencia más libertad."

5 jul. 2007

Catherine Zeta-Jones

Catherine Zeta-Jones

Catherine Zeta-Jones no se dio a conocer en Hollywood hasta que intervino en La máscara del Zorro, aunque por aquel entonces era ya una de las estrellas más populares del Reino Unido. Su trabajo en Chicago, por el que se ha llevado el Oscar a la mejor actriz secundaria, le ha permitido volver a sus orígenes y demostrar su talento para los musicales.

Catherine mostró un interés temprano por el mundo del espectáculo. Empezó a cantar, bailar y actuar en varias producciones de teatro locales siendo aún niña, y algunos años más tarde consiguió el papel principal en una nueva versión del musical 42nd Street.

En 1990 viajó a Francia para debutar en el cine como protagonista de Les mille et une nuits, de Phillipe De Broca. Cuando regresó a Inglaterra le ofrecieron trabajo en la serie de televisión The Darling Buds of May: el enorme éxito del programa convirtió a Zeta-Jones en una de las actrices más populares del Reino Unido.

Con la intención de triunfar en Hollywood, Catherine se trasladó entonces al otro lado del Atlántico, y durante un tiempo intervino en varios telefilms y miniseries de televisión.

En 1996 protagonizó una versión televisiva de Titanic anterior a la famosa película de James Cameron. Allí la descubrió Steven Spielberg, que pensó que Zeta-Jones era perfecta para la protagonista femenina de La máscara del Zorro (1998), un proyecto que él producía. El film, en el que también aparecían Antonio Banderas y Anthony Hopkins, dio a conocer a la actriz británica a nivel internacional.

En adelante, Catherine comenzó a obtener papeles destacados en otros títulos comerciales como el film de acción La trampa, de nuevo junto a Sean Connery, o la cinta de terror La guarida, junto a Liam Neeson y Lili Taylor. En su filmografía destacan también Cristobal Colón: el descubrimiento, Alta fidelidad, The phantom: El héroe enmascarado, Traffic y La pareja del año.

En 2002, Zeta-Jones obtuvo su primer Oscar como actriz secundaria por su trabajo en el musical Chicago, donde además de interpretar pudo demostrar sus dotes para el canto y el baile. Recientemente ha protagonizado junto a George Clooney Crueldad intolerable, una comedia de los hermanos Coen, La Terminal , donde encabeza el reparto junto a Tom Hanks y Ocean's Twelve.

Renee Zellweger

Renee Zellweger

Esta rubia de indiscutible origen nórdico es una de las revelaciones del cine norteamericano de los últimos años. Ganadora de un Oscar por Cold Mountain y nominada a este premio en otras dos ocasiones -por El diario de Bridget Jones y Chicago-, Renée Zellweger se ha situado entre las intérpretes más solicitadas de Hollywood.

Hija de padre suizo y madre noruega, Renée Zellweger empezó a interesarse por el teatro en la escuela, allá en su Texas natal. Durante toda la juventud compaginó esta afición con sus estudios y, tras graduarse, decidió seguir con su carrera artística. Eso sí, prefirió quedarse en Texas antes que desplazarse a la glamourosa Hollywood.

De esa primera época son filmes como Reality Bites o una de las secuelas de la mítica saga de terror La matanza de Texas. Cuando empezó a ser conocida se mudó a Los Angeles y allí continuó con su trabajo en diferentes películas, principalmente independientes.

Su primer gran éxito llegó en 1994 con Jerry Maguire, película que protagonizó junto a Tom Cruise y por la que obtuvo varios premios y el respeto cada vez mayor de crítica y público.

Entre las películas que destacan en su filmografía se pueden citar Cosas que importan, El soltero, Abajo el amor, Yo, yo mismo e Irene o Persiguiendo a Betty, por la que consiguió el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia. Sin embargo su interpretación más celebrada es El diario de Bridget Jones, que le permitió figurar entre las candidatas al Oscar por primera vez en su carrera.

Recientemente ha protagonizado el drama La flor del mal, en el que aparece junto a Michelle Pfeiffer y Robin Wright Penn. En 2002 vuelve a ser nominada a los Oscar como mejor actriz por su papel en el musical Chicago, de Rob Marshall, en el que además de interpretar demuestra sus dotes para el baile y la canción.

Y como no hay dos sin tres, un año más tarde repite nominación
-en esta ocasión a la mejor actriz secundaria- por su papel en Cold Mountain, en la que aparece junto a Jude Law y Nicole Kidman. Esta vez sí: Renée obtiene el Oscar.

Con el 2004 llegó la segunda parte de su personaje más conocido, Bridget Jones, Sobreviviré y un año más tarde cambió a Hugh Grant por Russell Crowe en Cinderella Man, El hombre que no se dejó tumbar.

El 2007 nos devuelve a una bella Zellweger vestida de época para Miss Potter, la biografía cinematográfica de la inteligente y carismática escritora de libros de niños Beatrix Potter. Comparte cartel con el que ha sido probablemente su mejor 'partenaire' en el cine, Ewan McGregor, con quien ya rodó Abajo el amor.

Entre sus proyectos futuros está el estreno de dos películas que ya ha grabado: el thriller Case 39, donde da vida a una trabajadora social que se verá enredada en el caso de una niña maltratada; y la comedia romántica situada en los años 20 Leatherheads, que la reunirá con su ex amante George Clooney.

Entre las curiosidades referentes a su vida privada destacan sus amoríos con el humorista Jim Carrey, el piropeado George Clooney y el cantante de los White Stripes Jack White. Y es que, sin menospreciar su talento, Renée debe parte de su popularidad a su rubia belleza. No en vano la revista People la eligió en 2001 entre las 50 mujeres más hermosas del mundo. Su última conquista es nada más y nada menos que el guapo Luke Perry, conocido por su papel de Dylan en la serie televisiva Sensación de vivir, tras poner fin a su breve matrimonio con el cantante de country Kenny Chesney.

Elijah Wood

Elijah Wood

Todo el mundo le conoce por su papel de Frodo en la trilogía sobre El señor de los anillos dirigida por Peter Jackson. Aunque Elijah Wood lleva toda la vida ante las cámaras. El niño que debutó a los ocho años en un vídeo musical ha sabido sacar partido a su talento película tras película, hasta erigirse en uno de los mejores actores de su generación.

El pequeño Elijah demostró su capacidad para cantar, actuar y entretener a los demás desde bien temprano. Viendo las habilidades del niño, su madre pensó que lo mejor era llevarlo a una agencia de modelos infantil: a partir de entonces, Wood empezó a aparecer regularmente en anuncios y pequeños papeles televisivos.

Su primer trabajo significativo como actor llegó en 1989, cuando intervino en un vídeo musical de Paula Abdul. Por aquellas fechas se estrenó también en la gran pantalla, con dos breves papeles en Regreso al futuro II y Asuntos sucios que pasaron bastante desapercibidos. Fue en 1990 cuando realmente captó la atención de la crítica con su actuación en Avalon, de Barry Levinson.

En los años siguientes, Elijah Wood dejó claro su talento precoz en películas como Un lugar en el paraíso, su primer trabajo como protagonista; Eternamente joven, junto a Mel Gibson; El buen hijo, donde se batía en un duelo interpretativo con otra promesa infantil del momento, Macaulay Culkin; Un muchacho llamado Norte o La guerra, que le valió el premio Estrella Juvenil del Año.

Muchos críticos se mantenían expectantes ante el futuro de Wood. No sabían si su habilidad para meterse en el bolsillo a crítica y público acabaría con el tiempo o si, por el contrario, su talento le consolidaría como joven valor. Pero el éxito de sus siguientes trabajos demostró que no tenían por qué preocuparse: ahí quedan La tormenta de hielo, de Ang Lee; el film de ciencia ficción Deep Impact o el thriller juvenil The Faculty, de Robert Rodriguez.

Elijah Wood ha dedicado los últimos años casi por completo a su personaje de Frodo Bolsón en El señor de los anillos, la trilogía épica dirigida por Peter Jackson y ganadora de 11 Oscars. Su nombre no figuró en el proyecto en un principio, ya que el director buscaba a un actor inglés. Pero Elijah pensó que podría ser la oportunidad de su vida y envió un vídeo de presentación a Jackson, con el que logró que lo eligiera. Así, su participación en El señor de los anillos le ha consolidado como uno de los mejores y más populares actores jóvenes en Hollywood.

Tras la trilogía de El señor de los anillos, le hemos podido ver en películas cómo ¡Olvídate de mi!, Sin city o la más reciente, Todo está iluminado.

Reese Whiterspoon

Reese Witherspoon

Reese Whiterspoon es un valor en alza dentro del competitivo mundo de Hollywood. Esta belleza de Lousiana va más allá de la simple fachada y es una actriz de talento que ha cosechado numerosos premios a lo largo de su carrera. Aunque algunos la hayan querido encasillar como actriz de comedia romántica, Reese ha demostrado que puede ser una estrella polifacética y que puede dominar otros ámbitos del mundo del cine como la producción. Reciente ganadora de un Oscar por su papel en En la cuerda floja, está claro que Reese se niega a ser flor de un día.

Laura Jean Reese Witherspoon, nació el 22 de marzo de 1976 en Baton Rouge, Louisina. Su padre era un médico militar y Reese pasó los primeros cuatro años de su vida en Wiesbaden (Alemania) en donde su padre estaba destinado. Pero poco después toda la familia se trasladó a Nashville donde Reese pasó el resto de su infancia.

Su precoz trayectoria profesional comenzó, siendo ella una niña, con apariciones en anuncios publicitarios. A los 11 años gana un concurso de talentos y a los 14 debuta en la gran pantalla con la película Un verano en Lousiana. Aunque prometía desde muy pequeña, antes de llegar despuntar en la interpretación cursa dos años de literatura en la Universidad de Stanford pero lo dejar para dedicarse de lleno al mundo del cine.

Y parece que no se equivocó porque poco después participaría en la película independiente Sin Salida, en la que compartía cartel con Kiefer Sutherland y cuya interpretación le valdría el reconocimiento de la crítica, llegando incluso a ganar el premio a la mejor actriz del Festival de Sitges. Esta película y otras como Pasión obsesiva, que protagonizó con Mark Wahlberg, fueron consolidando su carrera como joven promesa. Después llegarían títulos como Al caer el Sol, Pleasantville junto a Tobey Maguire o Crueles intenciones en la que compartiría pantalla con su futuro marido, Ryan Phillippe.

Reese Whiterspoon conoció a Ryan Phillippe en la fiesta de su 21 cumpleaños y tras trabajar con él en Crueles intenciones formaron una sólida pareja que ya tiene dos retoños: Ava Elizabeth y Deacon.

Reese especializó su carrera en la comedia, apareciendo en títulos como Little Nicky aunque también lo ha combinado con apariciones en otro tipo de películas como American Psycho. En 1999 llegó a estar nominada a los globos de Oro gracias a la película Election y en 2001 repetiría candidatura gracias a Una Rubia muy legal. Esta película marca un antes y un después en la carrera de Reese ya que se convirtió en un éxito de taquilla y la popularidad de Reese se hizo internacional.

Después, siguiendo en la línea de comedia romántica, llegarían películas como Sweet home Alabama, La importancia de llamarse Ernesto, la secuela de Una rubia muy legal o Ojalá fuera cierto.

En los últimos tiempos Reese Whiterspoon ha querido dar un giro a su carrera decantándose por papeles más serios y produciendo películas a través de su productora la Type A films. Y parece que la fortuna le sigue sonriendo. Su papel de June Carter en En la cuerda Floja le ha valido, además de un Globo de Oro, un cotizado Oscar de la academia como mejor actriz principal. Parece que Reese Whiterspoon todavía tiene mucho talento por mostrar.

Kate Winslet

Kate Winslet

Kate Winslet es seguramente la envidia de millones de adolescentes desde que se entregara a los brazos de Leonardo DiCaprio en la laureadísima Titanic. Pero más allá de sus "relaciones laborales" y más allá de su belleza (incuestionable por otra parte), esta joven actriz británica ha demostrado con creces su enorme talento como actriz.

De familia de actores, Kate Winslet fue sin duda una actriz precoz. Su primer papel importante lo hizo a los 17 años interpretando a una adolescente obsesiva en Criaturas celestiales (1994). Tanto la película como la actriz fueron muy bien recibidas por la crítica.

Poco después Kate acudió al casting de Sentido y sensibilidad (1995) y sedujo a su directora, Emma Thompson. En el rodaje bordó el papel y consiguió estar nominada para el Oscar a la mejor actriz de reparto. Era la "nominada" más joven de la historia.

Desde ese día Kate Winslet no ha parado de crecer. Primero hizo de heroína en Jude (1996) y el mismo año encarnaba a Ofelia en el Hamlet de Kenneth Branagh.

Pero si un papel catapultó a Kate Winslet ese fue el de Rose en Titanic (1997). Su romance junto a Leonardo DiCaprio en el barco más tristemente famoso de la historia, llenó las salas de medio mundo. Y la Winslet volvió a optar al Oscar, esta vez como mejor actriz.

Tras este atronador éxito procuró embarcarse en proyectos menos faraónicos. Intervino en películas más o menos independientes como Shakespeare in Love, Ana y el rey, El viaje de Julia, Holy Smoke, Quills o Enigma, además de participar en varios programas y series de televisión.

En 2001 volvió a encabezar un proyecto ambicioso; Iris. Y una vez más volvió a estar nominada para los Oscar (por tercera vez) gracias a su gran interpretación de Iris joven. La cuarta nominación llegó en 2005 con su trabajo en Olvídate de mí.

Entre sus últimas películas destacan Descubriendo Nunca Jamás, junto a Johnny Depp, Todos los hombres del rey, en la que comparte reparto con Jude Law y Sean Penn, y The Holiday, al lado de Cameron Diaz y donde repite con Jude Law.

Thomas Wilkinson

Tom Wilkinson

Thomas Wilkinson es uno de los actores ingleses más queridos por el público de su país. A lo largo de su carrera ha hecho de todo: teatro, cine, televisión... Pero gran parte de su fama se la debe a su papel en la ovacionada Full Monty.

Aunque siempre interesado por la interpretación, este popular actor británico cursó sus estudios en la Universidad de Kent y se graduó con el título de Licenciado en Literatura Inglesa y Americana. Recientemente, le ha sido otorgado un Doctorado Honorario en Letras.

En sus inicios, a mediados de los setenta, participó activamente en el cine y la televisión. Con el tiempo, fue ganándose el respeto de la crítica y el público con interpretaciones en películas como En el nombre del padre, Priest y Wilde. Pero, indudablemente, el reconocimiento internacional le llegó con Full Monty y con su papel de uno de los seis hombres en paro que se dedican al striptease para ganarse la vida.

En su filmografía también destacan producciones como Sentido y sensibilidad, Shakespeare in Love, The Patriot y En la habitación, película esta última que supuso su primera nominación al Oscar.

Forest Whitaker

Forest Whitaker

Forest Whitaker ha actuado en más de 47 películas, ha producido más de ocho y ha dirigido cinco. En pantalla desde 1979, Forest es un actor grande, con cara de niño y que ha conseguido evitar la fama durante muchos años a pesar del número de papeles principales que ha interpretado, al menos hasta que ha ganado el Oscar a mejor actor por su interpretación en El último Rey de Escocia.

Forest Whitaker tiene un talento tan grande como él mismo. Estrella del fúlbol en el instituto y cantante de ópera en la universidad, debutó como actor a los 21 años en Aquel excitante curso, una comedia protagonizada por Sean Penn en la que el joven Whitaker hacía de futbolista. Fue ganando experiencia trabajando en programas de televisión, haciendo anuncios y telefilmes, hasta saltar a la fama con su papel como jugador de billar en El color del dinero.

Gracias a ese papel consiguió hacerse un sitio en películas de primera fila como Platoon o Good Morning Vietnam, hasta conseguir su primer papel protagonista en la película de Clint Eastwood, Bird<, en la que daba vida al torturado icono del jazz Charlie “Bird” Parker. Con su actuación en Bird, Whitaker ganó la Palma de oro al mejor actor en el Festival de Cannes y fue nominado a los Globos de Oro de 1988.

Aunque su aspecto de grandote bonachón lo ha llevado a interpretar a personajes con gran humanidad, inocencia, y timidez, como en Phenomenon y, en cierta manera, en La habitación del Pánico, Whitaker ha llevado a cabo de forma magistral infinidad de roles diferentes. Ha actuado como un verdadero cirujano plástico en Jonny, el guapo, se ha metido en la piel de un diseñador de moda gay en Prêt-à-Porter, ha sido cazador de<>Spieces, y ha usado sus épicas proporciones en Campo de batalla: La Tierra.

A principios de los 90, Whitaker decidió ampliar sus horizontes incluyendo la producción y la dirección a su ya impresionante currículum. Empezó coproduciendo la violenta película de gangster Redada en Harlem, en la que también participó como actor junto a Gregory Hines y Robin Givens. Varios años más tarde hizo su debut como director con Esperando un respiro, en la que reunió a varias de las cantantes y actrices negras más importantes del momento como Whitney Houston y Angela Bassett. Dirigió también en videoclip del tema central de la película, Shoop Shoop, de Whitney Houston.

Toda la vida de Forest Whitaker gira alrededor del cine. Está casado con la actriz Keisha Whitaker, a la que conoció en el set de Blow away, sus dos hermanos menores son también actores y es propietario de una empresa que se dedica al cine, a la televisión y a la producción musical. Finalmente, sus treinta años de trabajo en la pequeña y la gran pantalla han dado sus frutos hasta llevarlo a conseguir el Oscar a mejor actor por su papel en El último rey de Escocia en el que interpresa a un terrible dictador ugandés.

Sigourney Weaver

Sigourney Weaver

Weaver ha creado multitud de personajes memorables, tanto dramáticos como cómicos. Saltó a la fama como la teniente Ripley de la saga Alien, y llegó a las puertas del Oscar con sus interpretaciones en Gorilas en la niebla y Armas de mujer.

Su nombre real es Susan Alexandra, pero se lo cambió por el de Sigourney en honor a un personaje de El Gran Gatsby. Nacida en Nueva York, se licenció en Inglés en la Universidad de Stanford y estudió después en la Escuela de Arte Dramático de la Universidad de Yale. Sus primeros pasos como actriz profesional fueron en el teatro.

Debutó en el cine en 1977 con una brevísima aparición en Annie Hall, de Woody Allen. Dos años más tarde llegó el papel que le convertiría en estrella de Hollywood: el de la teniente Ripley en Alien, el octavo pasajero, el clásico de ciencia-ficción de Ridley Scott. Weaver retomó este personaje en Aliens: El regreso, de James Cameron, película por la que fue nominada al Oscar en 1986; Alien 3, de David Fincher; y Alien resurrección, de Jean-Pierre Jeunet.

Tras Alien, el octavo pasajero, Sigourney obtuvo el respeto de la crítica con el drama romántico El año que vivimos peligrosamente y triunfó en taquilla con la comedia fantástica Cazafantasmas. Su gran año llegó en 1988, cuando fue nominada al Oscar por partida doble: como mejor actriz por el drama Gorilas en la niebla y como secundaria por la comedia Armas de mujer.

En adelante protagonizó films tan dispares como la comedia Dave, presidente por un día, en la que daba la réplica a Kevin Kline; el drama político de Roman Polanski La muerte y la doncella, junto a Ben Kingsley; el thriller psicológico Copycat: copia mortal; o la aclamada por la crítica La tormenta de hielo, de Ang Lee.

Entre sus trabajos más recientes figuran Mi mapa del mundo, un poderoso drama por el que obtuvo elogiosas críticas internacionales,
o la comedia romántica Las seductoras, que protagoniza junto a Jennifer Love Hewitt, Gene Hackman y Ray Liotta.

Otros títulos de su filmografía son El ojo mentiroso, 1492: La conquista del paraíso, Jeffrey, Blancanieves: la verdadera historia, Héroes fuera de órbita o Lío en La Habana.

Naomi Watts

Naomi Watts

Watts llevaba más de diez años como actriz cuando la crítica la descubrió en Mulholland Drive. Su trabajo en el premiado film de Lynch la erigió como nueva promesa de Hollywood y le abrió las puertas a películas como The Ring o 21 gramos.

Naomi nació en Inglaterra, pero a los 14 años se trasladó a Australia. Empezó a estudiar interpretación mientras iba al colegio y siendo aún adolescente dio sus primeros pasos como actriz. Debutó en el cine en 1986 con un film romántico, For Love Alone. Cinco años después llegó su primer papel importante en La primera experiencia, donde coincidió con una todavía desconocida Nicole Kidman.

Tras un primer contacto con Hollywood en Matinee, en los años siguientes participó en diferentes telefilms y películas menores, como Tank Girl o Más fuerte que su destino.

Su gran oportunidad llegó cuando David Lynch la fichó para el que debía ser el episodio piloto de una serie de televisión para la ABC, Mulholland Drive. Aunque la cadena canceló el proyecto, éste tiró adelante en forma de largometraje. La película triunfó en Cannes 2001: Watts recibió elogios y premios por su trabajo, y su nombre empezó a sonar en Hollywood como nueva promesa del cine.

Ese mismo año, Naomi produjo y protagonizó el corto Ellie Parker, que compitió en el Festival de Sundance y le valió el premio a la mejor actriz de cortometraje.

El éxito de Mulholland Drive le permitió en adelante escoger proyectos más atractivos. En 2002 fue la protagonista de The Ring, el remake "made in Hollywood" de un film de terror japonés que había triunfado en taquilla. Con él volvió a conseguir buenas críticas y éxito comercial. Poco después pudimos verla en la comedia romántica de James Ivory Le Divorce, junto a Kate Hudson, y en el film de humor Funerarias S.A., junto a Alfred Molina y Christopher Walken.

En 2003, Naomi Watts protagonizó junto a Sean Penn y Benicio del Toro el drama 21 gramos, que le valió una nominación al Oscar a la mejor actriz protagonista.

Otros títulos de su filmografía son El gran mar de los Sargazos, Conducta inmoral, The Custodian, Persons Unknown, A House Divided, Rabbits (de nuevo con Lynch), Ned Kelly o The Kelly Gang. En TV, ha participado en diferentes telefilms y miniseries.

Últimamente hemos podido verla en Extrañas coincidencias, la terrorífica The Ring 2, el thriller Tránsito y la revisión del clásico King Kong, de Peter Jackson.

Ya en el 2007 nos ha sorprendido en la extraña producción de David Lynch Inland Empire, junto a Jeremy Irons y Laura Dern y más recientemente con El velo pintado, una maravillosa coproducción inglesa-china, en la que vivirá un amor conflictivo en triángulo junto a Edward Norton y su novio Liev Schreiber.

La actriz australiana ha sorprendido a propios y extraños en la edición de los Oscars 2007, donde se paseó por la alfombra roja, con su amiga y compatriota Nicole Kidman, luciendo una incipiente barriguita. Su novio, el norteamericano Liev Scheiber, está que no cabe en sí de gozo.

Denzel Washington

Denzel Washington

No hay duda que el dos veces oscarizado Denzel Washington posee unas brillantes credenciales. Le conocimos como médico en una famosa serie de televisión y hemos disfrutado de su talento en títulos como Malcolm X y Philadelphia.

El actor afroamericano Denzel Washington nace en Mount Vernon en 1954. Después de graduarse en el instituto, decide estudiar la carrera de periodismo. En su estancia en la universidad le entra el gusanillo de la interpretación y empieza a combinar sus estudios con esporádicas apariciones teatrales.

Al finalizar la carrera se muda a San Francisco con una beca para estudiar teatro pero, después de un año en el conservatorio, lo deja y empieza a buscar trabajo como actor: su imagen y versatilidad le ayudan a encontrar papeles en producciones de televisión.

Durante la década de los 80 combina sus trabajos entre la televisión y el cine. Su brillante interpretación de médico en la conocida serie de televisión St. Elsewhere, hace que empiecen a llegar ecos de su nombre a Hollywood. Dichos rumores dan su fruto y Denzel comienza a trabajar en grandes producciones cinematográficas.

Su fama y reconocimiento llegan en 1987 con su participación en Grita libertad, película por la que fue nominado al Oscar al mejor actor secundario. En 1989 vuelven a nominarlo como mejor actor secundario por su papel en Tiempos de gloria y, en esta ocasión, se lleva el Oscar. A partir de ese momento, le llueven cantidad de proyectos y entra a formar parte de la deseada lista de estrellas hollywodienses.

En su filmografía también destacan Malcolm X, Huracán Carter (cada una le valió una nominación al Oscar como mejor actor), El Informe Pelícano y El coleccionista de huesos. Saliendo de su línea interpretativa habitual con roles de hombres buenos y honestos, su papel de policía corrupto en Training Day supone la quinta nominación a los Oscar de este carismático actor y su primera estatuilla como actor principal.

Más recientemente le hemos podido ver en películas tan dispares como John Q, Antwone Fisher o Plan oculto, entre otras.

Estella Warren

Estella Warren

Después de esculpir su cuerpo en las piscinas durante años, Estella Warren consiguió deslumbrar al mundo entero haciendo de modelo para las mejores revistas. Decidida a explorar nuevos caminos Estella intenta ahora alcanzar su verdadero gran sueño: ser actriz. De momento, Driven y El Planeta de los Simios son sus mejores credenciales.

Poco podía pensar esta rubia de proporciones casi perfectas que un día se codearía con las mejores supermodelos del mundo. De hecho, en su infancia y juventud vivía entregada a su pasión en esa época: la natación sincronizada. Un deporte en el que llegó a competir con las mejores del mundo como campeona de Canadá. Pero cuando aparició en un desfile de moda benéfico un cazatalentos avispado la vio y envió su foto a Nueva York, la meca de las modelos.

A partir de ese momento su carrera como modelo tomó el protagonismo en su vida y Estella tuvo que dejar de lado la natación renunciando incluso a una olimpiada. Como modelo pronto se hizo un nombre y su rostro angelical apareció en las portadas de las mejores revistas: Vogue, Marie-Claire, Elle, GQ, Sports Illustrated... Hasta llegó a ser la imagen de Chanel No.5.

Pero Estella quería más y, cansada del ajetreo del mundo de la moda, decidió pelear por su auténtico sueño; ser actriz. Así, tras unas fugaces apariciones en televisión, se estrenó en la gran pantalla con Perfume en 2001, el mismo año en que la vimos junto a Sylvester Stallone en Driven. Dos experimentos que le sirvieron para conseguir su primer gran papel; interpretar a la seductora Daena en el remake de El Planeta de los Simios de Tim Burton. La película, que cosechó un gran éxito de taquilla, situó a Estella en el mapa.

Aunque las ofertas han seguido llegando con regularidad a su mesa, de momento la actriz canadiense no ha vuelto a cosechar un éxito semejante. Así la hemos visto en películas como Tangled (una película menor), Kangaroo Jack, una comedia rodada en Australia, y en el romance The Cooler, donde interpreta un papel secundario.

Jon Voight

Jon Voight

Aunque tiene un montón de películas intersantes, Jon Voight, el padre de la despampanante Angelina Jolie, pasará a la historia del cine por un papel; el de ese joven y apuesto cowboy que llegó a la ciudad a medianoche dispuesto a comerse el mundo y que acabó siendo devorado sin escrúpulos por él. Simplemente memorable.

Jon Voight se inició como actor en el instituto donde estudió teatro y participó en algunas producciones escolares. Su afición por la interpretación le llevó hasta Broadway cuando apenas tenía 20 años. En aquellos primeros tiempos, además, comenzó a aparecer como secundario en diferentes series de televisión.

Poco después llegó su debut en el cine y, tras participar en alguna que otra película menor, en 1969 se encontró con la gran oportunidad de su vida: el papel de gigoló en Cowboy de medianoche. Por su impecable interpretación obtuvo una nominación al Oscar como mejor actor y, sin saberlo, contribuyó decisivamente a definir el modelo de hombre sensible que cautivó a los americanos en los 70 y 80.

Con la fama en la palma de la mano, Voight evitó el camino fácil y en adelante optó por escoger proyectos poco comerciales. Hasta que en 1978 dio el segundo gran golpe de su carrera. Su papel de veterano del Vietnam en El regreso le dio el Oscar al mejor actor. Todo un éxito que en 1985 volvería a rozar con otra nominación por su papel en El tren del infierno.

Durante los años 80 y 90, Voight fue cambiando su carrera de actor por la dedicación a diferentes causas sociales y políticas. Con todo, en su filmografía más reciente aún destacan títulos como: Heat, Misión imposible, Pearl Harbor o Tomb Raider, en la que curiosamente coincide con su hermosa hija, la también actriz Angelina Jolie.