Marc Anthony junto a su esposa J. Lo...famosos a nivel mundial
22 may 2007
Shakira
Shakira consigue la fama en el mundo entero no sólo por sus canciones sino también por sus sensuales movimientos de caderas
Luis Miguel
Luis Miguel graba su primer disco con 12 años, y con 15 ya había recibido su primer Grammy. Entre sus LPs destacan “Romance”, “Nada es igual”, “Amarte es un placer”, “33” y “México en la piel”, en los cuales encontramos multitud de boleros, aunque tiene discos elaborados sólo con esta variedad musical. Es uno de los artistas que más triunfan entre sus seguidoras.
Ricky Martin
Ricky Martin, en 1995 lanzó el disco “A medio vivir”, con el que obtuvo un grandísimo éxito con su conocida canción “María”. Otros triunfos fueron sus trabajos “A medio vivir”, “Vuelve” y “Almas del silencio”. Su próximo disco, “Life”,
Alejandro Fernández
Alejandro Fernández nació en México en 1971. Hijo del consagrado Vicente Fernández, lanza su primer álbum en 1991, con su nombre como título. A pesar de su larga trayectoria, el éxito que le dio a conocer en todo el mundo ha sido su último trabajo, “A corazón abierto”.
Jennifer López
Jennifer López: dicen que es una de las mujeres más sexys del planeta. A su carrera de actriz añadió otra paralela en el mundo de la canción con igualdad de éxitos.
Chayanne
Chayanne: con más de 50 discos de oro y platino desde su debut como solista en 1986, arrastra a millones de fans por todo el mundo. Ellas dicen que es el más guapo de todos, ellos... Sus mayores éxitos los ha cosechado con los discos “Volver a nacer” (1996), “Simplemente” (2001) y “Sincero” (2003). Su último trabajo es “Desde siempre”.
Thalía
En 1990 se presenta su primer gran disco, “Thalía”. En 1992, su tercer disco, “Love”, vende más de 200.000 copias antes de salir a la venta.En la actualidad es una de las mujeres más deseadas del mundo.
Alejandro Sanz
Alejandro Sanz (España, 1968) publicó su primer disco “Viviendo deprisa” y, desde entonces, se ganó al público. Volvió en 1993 con “Si tú me miras”. En 1995 salió a la luz “Alejandro Sanz 3”, un trabajo que le abrió las puertas de Europa y América Latina cosechando varios discos de oro y platino.Su cuarto disco fue “Más”, con el que destacó a nivel internacional. “El alma al aire” le reportó numerosos premios. En octubre de 2001 pasaba a la historia, se convertía en el primer español que graba un unplugged para la MTV
Enrique Iglesias
Enrique Iglesias grabó su primer disco en 1995 con su nombre como título. Dos años después salió al mercado “Vivir” y ese verano realizó su primera gira mundial. Desde entonces ha vendido más de 30 millones de copias de sus discos.
David Bisbal
David Bisbal, en solo unos meses vendió un millón y medio de copias, lo que le reportó el Premio Ondas al mejor álbum. En Latinoamérica conseguía ocho Discos de Oro.En 2003 le otorgan el Premio Grammy Latino al artista revelación y un año después sale a la luz su disco “Bujería”.
Andy García
Otro triunfador en Hollywood es Andy García. En los 80 se fue haciendo un nombre en diversas películas, y ya en la década de los 90 alcanzaría el cenit profesional con títulos como “El Padrino III”
Penélope Cruz
Penélope Cruz: su llegada a Hollywood fue un éxito desde el inicio. Allí ha triunfado con películas como “Vanilla Sky” (2001), “Gothika” (2003), “Sáhara” o “Bandidas” (2005), y con novios de la talla de Tom Cruise y Mathew McConaughey.
Benicio del Toro
Benicio del Toro, su gran éxito se produjo en el 2000 en “Traffic”, trabajo que lo ha convertido en todo un ícono.
Salma Hayek
Salma Hayek decidió abandonar una carrera segura como estrella de culebrones y probó fortuna en Hollywood, donde ha triunfado de manera categórica, siendo hoy una de las estrellas más cotizadas
Willy Colón
WILLIE COLÓN |
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Willie Colón: arquitecto de la salsa urbana
Desde sus comienzos en la música, la imagen de Willie Colón se asoció a la del chico intrépido, sagaz y temerario que –a la fuerza– se abrió un espacio entre los grandes nombres de la música caribeña, en el complejo mundo del Nueva York de los años 60.
Ante la mirada atónita de los responsables del sonido latino de esa época, el joven neófito era un "sin nombre", una figura desconocida en los escenarios de la canción popular y, particularmente, un músico de poca monta, extraño, inexperimentado y forastero.
En sus inicios fue censurado por su estilo fuerte y estridente y hasta llegó a ser acusado de inarmónico por quienes ostentaban la veteranía en el ambiente de la música latina.
Cuentan que su apodo de "El Malo" se asoció, en primera instancia, al epíteto con el que se referían a su capacidad interpretativa en el trombón cuando hizo sus primeras apariciones en la grey musical, contando con sólo quince años de edad.
De padres puertorriqueños, William Anthony Colón Román, quien nació el 28 de abril de 1950 en el territorio del Bronx, aprendió muy temprano en su adolescencia a discernir entre las imágenes y adjetivaciones despectivas que se vertían sobre la comunidad latina y la cruda realidad de los inmigrantes de "La Gran Manzana".
Así, pronto convirtió su trabajo artístico en el testimonio social más contundente vestido de sonoridad, con letras memorables que narraron los detalles de las incidencias de la marginalidad, el prejuicio, la pobreza y la miseria.
Aunque hubo otros músicos de la época que asumieron la misma línea temática, nadie mejor que él supo conjugar en armonías el sentimiento de desgarro y desamparo de la diáspora.
"Su música refleja, a la vez, una lírica tradicional rítmica y el llanto de adiós y esperanza de una nueva generación, forzada a abandonar su tierra para congregarse en la urbe estadounidense", comenta el escritor James Moreno.
Willie Colón es, sin duda, un pintor de los rostros de su gente, un artista que plasmó en sus canciones –sobre todo en su sonido fuerte– la conciencia de una generación que exigía el respeto social y que luchó por la vindicación de sus condiciones de vida.
| Como productor ha realizado trabajos para Tania Libertad, Sophy y Soledad Bravo, entre otras vocalistas. (Colección Robert Padilla) |
Un sabio entre los genios
El músico y arreglista Willie Colón dio sus primeros pasos en las artes como trompetista hasta que descubrió la fascinación del trabajo de Mon Rivera y los usos que éste empleó con el trombón para la interpretación de la bomba y la plena.
Su pasión musical, en cambio, la derivó de su abuela, quien lo crió arrullándolo con las melodías del cancionero popular puertorriqueño, presentándole la fascinación de los ritmos típicos del país.
Temprano en el 1965, este joven intrépido se lanzó a las calles a probar su talento, justo en la época de furor de la música latina en Nueva York, donde dominaban Tito Puente, Charlie Palmieri, Eddie Palmieri, Larry Harlow y Ray Barretto, entre otros.
En 1967, cuando tenía 17 años de edad, se integró al grupo de artistas que formaban parte de la peña de Jerry Masucci y Johnny Pacheco y que fueron responsables de impulsar el auge del nuevo sello discográfico que cohesionaría la nueva expresión musical latina: la Fania.
La entrada de Willie Colón al grupo marcó el momento más significativo de la salsa, en tanto fue el punto de partida más impactante que desarrollaría la nueva expresión salsera, en un intento por homogeneizar los trabajos que desde hacía varios años se realizaban en el mundo latino de Nueva York, como parte de una nueva propuesta sonora.
En ese contexto, la gloria de Willie Colón estribó en su capacidad de elaborar el sonido preciso que identificó el nuevo tiempo rítmico, que en su acepción sociológica significó la representación latina. Nadie mejor que él pudo armonizar las tendencias musicales del mundo anglosajón con la "vieja" escuela latina del mambo, el son, la pachanga, el cha-cha-chá y la guaracha, añadiendo la nostalgia del sonido tradicional puertorriqueño, inscrito en la música jíbara, la bomba y la plena.
El despegue del proyecto musical de Willie Colón se debió, en gran medida, a su junte con el cantante ponceño Héctor Lavoe, quien llegó a él por recomendación del veterano músico Johnny Pacheco, y junto a quien creó el binomio más importante de la salsa.
Junto al denominado "Cantante de Cantantes", elevó su propuesta al máximo renglón de las escenas musicales, sobre todo porque su asertividad al hilvanar un nuevo concepto musical que combinó el tono pícaro e hiriente de la voz de Lavoe y su apego a las melodías de la canción tradicional boricua, con el interés del osado trombonista de proyectar en su trabajo la evocación nostálgica del sonido de las raíces de la música puertorriqueña, en unión al sonido fuerte y agresivo del mundo urbano que los abrigó.
Durante los siete años que duró la unión de Willie Colón y Héctor Lavoe la salsa triunfó. La receta del éxito fue trastocar los patrones rítmicos establecidos para marcar el compás del nuevo tiempo de la salsa, armado de composiciones modernas y matizadas por fraseos y frases típicas del campesinado boricua.
 | Junto a Rubén Blades volcó la salsa a la interpretación de temas con alto contenido social y político. (Archivo / PRIMERA HORA) |
Dueños de la malicia
"EL MALO de aquí soy yo / porque tengo corazón", así terminaba la letra del primer éxito de Héctor Lavoe con Willie Colón, que sentó la tónica en la carrera de este dúo neodinámico.
Esta imagen de "malo" los acompañó por más de una década, ayudándoles a crear fama y sirviendo, a la vez, de imagen de identidad del barrio puertorriqueño en Nueva York, creándoles problemas en más de una esquina.
Cuenta Colón que a mediados de los setenta tuvieron que apartarse de esta percepción, porque todo el mundo quería pelear con ellos en los bailes y, obviamente, ni él ni Héctor tenían el físico para respaldarla. Se trataba de una imagen funky que caló, porque la violencia es parte de la cultura caribeña. Y fueron muchas las composiciones de Willie Colón que pregonaban la competencia violenta en y por los espacios latinos.
Pero "El malo" es singular, aunque su referencia estaba en una de las parejas salseras más recordadas del ambiente salsero: Willie Colón y Héctor Lavoe.
En este tema, que da vida a su primera producción discográfica (1967), se trata de sentar pauta para la carrera de un joven de poco más de quince años en la dura cultura comercial. Colón quería ser fuerte y que los demás le abrieran camino. Singularmente tuvo que buscar un cantante para grabar el número y ahí llegó Lavoe, ¿sumándose o compitiendo por la imagen de malo? Según la canción, en el barrio no hay espacio para dos malos; así que queda sugerido que, al menos en ese inicio, Colón y Lavoe competían por el reinado.
Este binomio no fue sólo imagen. Se trata del grupo que creció con el sello disquero de Fania y con la popularización del término salsa para nombrar ese proyecto musical. Este dúo es el más característico del género, porque ninguno de ellos había sido famoso antes, ni había grabado con ninguna gran orquesta.
La competencia, tal vez, se la hizo Larry Harlow, pero más que el pianista de origen judío –quien se mantuvo muy apegado al sonido cubano– el trabajo de Willie Colón se distinguió por su mezcla rítmica de calipso, bomba, plena, guaguancó, bugalú, guajira, mambo y jazz.
Curiosamente, también son reconocidos por su sonido jíbaro. Esto, alegadamente, les facilitó su transición de Nueva York a Puerto Rico. El metal ajibarado de las voces de Lavoe y de José Mangual en el coro les daba a estos "locos" de Nueva York pase de autenticidad para que la música de los nuyoricans entrara al espacio radial de Puerto Rico.
Mirado desde el siglo 21, el viaje parece que fue fácil, pero no podemos olvidar la dificultad que pasaron los puertorriqueños de Nueva York en esos años para ser reconocidos como auténticos boricuas.
Su pasaporte al mercado puertorriqueño lo lograron con el disco "Asalto navideño" (1971), con el que el músico "asaltó" la cultura nacional, proclamando la salsa como música típica navideña.
Con frases como "aquí traigo la salsa" y "esta Navidad vamos a gozar", los denominados chicos malos acentuaban el desplazamiento de una comunidad y de un género, acer-cándose a la cultura nacional con un lenguaje parecido al usado para "tomar" las calles neoyorquinas. Esta vez, también diciéndole a su público que "si se apura se muere", y alegadamente con un poco más de humildad, pues "hay jíbaros que saben más".
 | La imagen de Willie Colón se asoció en sus comienzos a la de un chico intrépido, sagaz y temerario. (Proyecto de Digitalización El Mundo, UPR) |
Una ruta de éxitos
EN 1967, Willie Colón visitó a Jerry Masucci y Johnny Pacheco, propietarios del naciente sello discográfico Fania, con una cinta que contenía varios temas que había grabado con su grupo y, aunque se trataba de un novato muy joven, los empresarios cedieron darle una oportunidad siempre que cambiara su vocalista.
Para entonces, Pacheco había escuchado cantar a Héctor Juan Pérez Martínez ("Héctor Lavoe") en un baile en el club Tropicoro, ubicado entonces al sur de El Bronx, y le propuso audicionar con el osado trompetista, armando de esa forma un junte artístico que generó grandes dividendos a la disquera y derivó en glorias para la salsa. La historia de Willie Colón y Héctor Lavoe duró siete años de ininterrumpidos éxitos y, aun cuando se separaron en 1974, mantuvieron por siempre una estrecha relación profesional y personal.
El tránsito en la ruta del éxito prosiguió con la unión de Colón y Rubén Blades, cuya gesta trastocó la salsa y mostró la amplia capacidad del género para navegar por temas diversos, no importa el tiempo de duración de las melodías.
Aunque Fania se opuso, en principio, al desarrollo de la propuesta del dueto, atribuyendo dificultad en la venta y difusión de temas que presagiaban monólogos, el resultado fue avasallador en éxitos. Ese proyecto delineó, además, el compromiso social de los artistas, quienes han permanecido, hasta el presente, al frente de las filas que abogan por la justicia social y la paz.
De esa manera, Willie Colón, que ha ganado once nominaciones al premio Grammy y cuenta con quince discos de oro, cinco de platino, ha logrado destacarse como líder comunitario en luchas a favor de los derechos civiles de los latinos en Estados Unidos.
En su labor cívica, ha sido presidente de la Asociación de Artes Hispánicas, miembro de la Comisión Latina sobre el SIDA, miembro de la Fundación de Immigrantes de las Naciones Unidas, presidente de la Coalición Arthur Schomburg por un Mejor Nueva York, miembro del Directorio del Instituto Congressional Hispanic Caucus, miembro fundador del Consejo Hispano de New Rochelle (N.Y.) y miembro fundador del Comité del Sistema Judicial de New Rochelle, entre otros organismos, según se desprende de su página cibernética.
También ha sido activista político y se ha postulado como candidato congresional por el Distrito de Nueva York, aunque sin éxito.
Su desempeño social y político siempre ha ido de la mano de su trabajo artístico, por lo que el músico no ha cesado de producir, tocar y cantar. Su más reciente presentación en Puerto Rico fue en 2003, con motivo de la celebración de los 25 años del disco "Siembra".
En su extenso catálogo de producciones se destacan, entre otros, los discos "Poemas de Benedetti" de Tania Libertad, "Los olores del amor" de Amílcar Boscan, "Sophy en Nueva York" de Sophy y "Caribe" de Soledad Bravo, además de los trabajos hechos por Héctor Lavoe.
Espléndida trayectoria musical
Willie Colón inició su historia discográfica en 1967 con el lanzamiento del álbum "El malo", un título que representó la armadura de un proyecto musical a través del que se vindicó la presencia latina en Estados Unidos.
La apariencia del "malo" fue el eje conceptual de los primeros trabajos del músico, con la concurrencia de Héctor Lavoe, y con el que intentaron rescatar el respeto para el latino, cuya imagen era difundida por los circuitos de poder estadounidenses con señas negativas, asociándolo al mundo de la delincuencia.
Los discos subsiguientes mantuvieron el mismo enfoque, exaltados por los diseños de sus carátulas. "El buscón" (1968) fue su segundo trabajo, seguido por "Guisando" (1969), "Cosa nuestra" (1970), "Asalto navideño" (1971), "La gran fuga" (1971), "El crimen paga" (1972), " El juicio" (1972), "Lo mato" (1973) y "El bueno, el malo y el feo" (1975).
Estas producciones estuvieron, a su vez, matizadas por canciones que trataron temas de la marginalidad, con todo y sus señas de peligrosidad, como se aprecia en "Lo mato", "Calle Luna, calle Sol", "El día de mi suerte", "Se chavó el vecindario", "Barrunto", "Piraña" y "Todo tiene su final".
Destaca en sus trabajos, además, cierta nostalgia al haber podido construir una sonoridad que, para los boricuas de Nueva York, evocó el mundo campesino y romántico del país que habían dejado atrás.
Para los puertorriqueños de la Isla el trabajo musical de Willie Colón tendió el puente con la diáspora, presentando un proyecto que, con sus fusiones, incorporó el sonido de las expresiones musicales más autóctonas de la tradición nacional. Así, la salsa de Nueva York entró por la puerta ancha a la casa de los salseros de Puerto Rico.
En 1973, el binomio Willie Colón y Héctor Lavoe se disolvió, aunque el consagrado músico permaneció en la dirección y producción de los discos en solitario que hizo el "Cantante de cantantes", y en los que se mantuvo la misma dirección lírica y melódica.
Mueve su trabajo al discurso social
En 1977, Willie Colón aseguró una vez más su pase al éxito al conformar otro de los duetos más impactantes de la historia salsera junto al cantautor panameño Rubén Blades.
Este junte torció el rumbo del género al presentar un proyecto musical con temas de alto valor social y político, ceñidos en una especie de crónicas del mundo urbano que, con letras de Rubén Blades, logró el éxito más avasallador registrado hasta entonces en la salsa.
Willie Colón se mantuvo al frente de la dirección y la producción de los discos, aunque, por primera ocasión en la carrera del trombonista, incorporó a otro arreglista musical a su grupo de trabajo, Luis Perico Ortiz, siendo éste quien confeccionó el mayor de los logros discográficos de la salsa: "Pablo Pueblo", que vendió 150 mil copias en tiempo récord.
La figura de Luis Perico fue fundamental en el binomio Colón-Blades al aportar las influencias de una nueva generación que saboreaba el sonido de la expresión melódica comercial del mercado anglosajón, sin abandonar la esencia del trabajo salsero.
Si el tema "Pablo Pueblo", contenido en su primer álbum "Metiendo mano" (1977), fue un éxito, más exitoso fue el segundo disco de la pareja, "Siembra" (1978), que incluyó los temas "Plástico", "Buscando guayaba", "Pedro Navaja", "Siembra" y "María Lionza", entre otros.
Luego trabajaron la obra "Maestra vida I y II", "Canciones del solar de los aburridos" y "The Last Fight", con los que también rompieron niveles de venta.
A la entrada de la década de 1980, Willie Colón y Rubén Blades se separaron. Mucho se ha especulado sobre las razones de la ruptura del binomio, aunque ambos artistas han insistido, por separado, quien los motivos del rompimiento tuvieron que ver con el interés de impulsar sus carreras en solitario, con nuevas ideas y nuevas perspectivas.
De hecho, Willie Colón ha reiterado en varias entrevistas que la separación fue el resultado de su intención de lanzarse como cantante, gesta que había iniciado en la producción "The Good, the Bad and the Ugly" (1975), en la que interpretó varios temas. A su vez, aprovechó esa oportunidad para introducir en su música el sonido de trompetas, saxofones y una guitarra eléctrica, lo que junto a su distintivo trombón determinó la base melódica de lo que fue su proyecto artístico en solitario.
Al paso de la década del 70, y mientras disfrutaba de los éxitos acumulados junto a Héctor Lavoe y Rubén Blades, produjo un álbum espectacular junto a Celia Cruz en 1977, "Solamente ellos pudieron hacer este álbum", recordado por los temas "Burundanga" y "Usted abusó". Más adelante trabajó "Doble energía" (1980) junto a Ismael Miranda, que despuntó con el éxito "No me digan que es muy tarde".
Su primer trabajo en solitario fue "Solo" (1979) que destacó con el tema "Sin poderte hablar", al que le siguió el álbum "Fantasmas" (1981) que marcó historia con los éxitos "Amor verdadero" y "Oh, ¿qué será?".
En 1984 publicó "Mi sueño", seguido por "Tiempo pa'matar", el mismo año, consolidando de esa manera su espacio como solista salsero.Tito Puente
Ernesto Antonio Puente, Jr., nació el 20 de abril del año 1923, en la sección conocida como Spanish Harlem en Nueva York. Poco después de su nacimiento, los padres de Puente habían abandonado a su nativo Puerto Rico para establecerse en el lado este de Harlem conocido como "El Barrio" por su gran populación Hispana. Mientras que su padre, Ernesto Antonio Puente, Sr., trabajaba como supervisor en una compañía de afeitadoras, su madre, Ercilia Puente, fue la primera en darse cuenta del talento musical de su hijo mayor, inscribiéndolo a tomar lecciones de piano por 25 centavos cuando Tito tenía siete años de edad. Cuando niño Tito también asistió a la escuela de baile y jugaba béisbol antes de seriamente lesionarse su tobillo en un accidente de bicicletas. A pesar de que Tito recibió su entrenamiento formal de música en el piano, él siempre tomó interés en la percusión. Queriendo emular a su ídolo, el baterista Gene Krupa, Puente empezó a estudiar la batería y la percusión a la edad de diez años.
"Yo siempre estaba tocando en cajas y en la ventana de su casa," admitió una vez en una entrevista con Edmond Newton del New York Post. El también era miembro de un cuarteto en la escuela y creció escuchando una variedad de música, incluyendo artistas Latinos como Miguelito Valdez y músicos de jazz tales como Stan Kenton y Duke Ellington.
Temprano en su adolescencia, Tito empezó a tocar los fines de semana cerca de su casa. "Mi papá me llevaba a los bailes," el dijo en una entrevista con Larry Birnbaum de la publicación Down Beat. "En la media noche ya yo me estaba durmiendo." A la edad de 15 años, Tito abandonó la escuela para tomar un trabajo en el invierno con una orquesta en Miami Beach, donde tocó las Rumbas Americanizadas y una variedad de ritmos Latino Americanos, incluyendo Tango, Vals, y paso doble. Cuando regresó a Manhattan, Tito obtuvo la oportunidad de trabajar tocando la batería con la orquestra de Noro Morales y José Curbelo, quien mas tarde se convirtió en el primer Rey del Mambo de Manhattan.
Su carrera como profesional empezó en la orquestra de Noro Morales. Su primera gran oportunidad vino cuando los Estados Unidos entró a la segunda Guerra Mundial; él se convirtió en el baterista regular de la famosa banda de los Afro-Cubanos de Machito y entonces fue reclutado para servicio militar, donde obtuvo la oportunidad de demostrar sus talentos. Tito demostró señales tempranas de su notorio sentido de la teatralidad en el espectáculo mientras tocaba en la banda dirigida por el famoso del swing Charlie Barnet, mientras revitalizaba la banda al tocar la batería de pie, en vez de sentado como lo es de costumbre.
La gira de Tito con la banda llegó a un paro temporal cuando recibió su llamado de las fuerzas armadas; por los tres años siguientes Tito sirvió en un porta avión de las Fuerzas Navales de los Estado Unidos (U. S. Navy) en el sur del Pacífico. En el año 1945 Tito fue dado de baja de las Fuerzas Navales y recibió una distinción en reconocimiento de estar en nueve batallas. Su temporada militar, sin embargo, proveyó varias experiencias positivas. El no solo obtuvo la oportunidad de aprender el saxofón - el cual aprendió solo mientras estuvo en el barco - pero obtuvo la oportunidad de extender su educación a través del G.I. Bill.
En la que fue citada como una de las mejores decisiones de su vida, Puente se inscribió en la Escuela de Música de Julliard, donde estudió composición, orquestación, y dirigir mientras trabajaba con una variedad de bandas Latinas en Nueva York.
El tocó y absorbió la influencia de Machito, quien estaba exitosamente combinando ritmos Latinos con jazz progresivo.
"Mi tiempo con Machito fue un tiempo muy importante para mi carrera, porque era uno de los mejores grupos del momento," dijo Tito en una entrevista con Martínez de Pisón de Nueva York. "Yo empecé con ellos a principios de los años 40, y me quedé con ellos hasta finales de los años 50, aquí en Nueva York. Era una orquesta donde yo obtuve mucha experiencia tocando primordialmente los ritmos Afro-Cubanos más populares del momento, como el Mambo, el Cha-Cha-Chá, las Guajiras, al igual que lo que le llaman el día de hoy Jazz Latino. Era una gran experiencia porque era una banda que creó muchos arreglos musicales, y yo aprendí mucho de grabaciones."
Puente rápidamente fue conocido como un fabuloso arreglista. El fue contratado por el promotor Federico Pagani después de haberlo visto tocando con un grupo de músicos de la banda de Pupi Campos, y los llamó los Picadilly Boys (Los Chicos Picadilly).
Formando el arreglo de nueve piezas Picadilly Boys en el año 1947 y después expandiéndolo a una orquestra completa dos años después, Puente grabó para Secco, Tico y eventualmente RCA Víctor, ayudando a incrementar la Mambo manía y darle el nombre no oficial que le duró toda su vida, "El Rey del Mambo," o sólo "El Rey."
Con sus primeros hits con Tico Records tales como Ran Kan Kan, Abaniquito, El Yoyo, y Picadillo, Puente "electrificaba a los bailarines a través de América y… catapultó hacia el frente de los directores de bandas Latinas," de acuerdo a Birnbaum. A mediados de los años 1950, Puente había sido exitoso en ganarse una gran fanaticada Hispana y Anglosajona. En el año 1956 una encuesta conducida por el diario de Nueva York, El Diario-La Prensa, Puente fue seleccionado como "El Rey De La Música Latina," ganándole a sus competidores Prado y Rodríguez. Dos años después, RCA lanzó Dance Mania, el cual se convirtió un perenne hit de mejor venta internacional.
"Era la explosión del baile," dijo Puente. "Recuerda, el Palladium era un gran lugar de baile. Yo siempre he dicho que sin un baile la música no podrá ser popular. La gente empezaron a conocer de este nuevo baile - el Mambo - que estaba de moda aprender a bailar el Mambo no importa de que parte de la sociedad provengas. Y entonces aquí teníamos un lugar, el Palladium, donde muchas personas podían venir a bailar o a aprender a bailar el Mambo. Los estudios de baile y danza enviaban a sus estudiantes al Palladium, donde podían aprender y ver a grandes bailarines - estrellas de ballet, estrellas de Broadway, bailarines expertos de Mambo - todos en un mismo lugar, y yo dirigía mi música hacia estas personas."
Puente también ayudó a popularizar el cha-cha-chá durante los años 1950, y él era el único no-cubano que fue invitado a una celebración en Cuba en el año 1952 auspiciada por el gobierno "50 años de Música Cubana." Entre los conteros de alto calibre que tocaron en la banda de Puente en los años 50 eran Mongo Santamaría, Willie Bobo, Johnny Pacheco y Ray Barreto los cuales resultaron en algunos explosivos disparados de percusión.
Tito fue el anfitrión de su propio programa, "El Mundo de Tito Puente" en la el la Televisión de habla Hispana en el año 1968 y él también sirvió como el Gran Mariscal del Desfile Puertorriqueña.
Puente inesperadamente entró a otro género de música en el año 1970, cuando el roquero de California Carlos Santana convirtió una de las canciones viejas de Puente, "Oye Como Vá," en un hit entre los primeros 40. "Oye Como Vá es una composición mía que Santana grabó 12 años después de mí," dijo Puente en una entrevista con Javier Martínez de Pisón de Nueva York. "Pero naturalmente, él lo hizo con los ritmos del momento, que eran rock con el órgano, la batería, y la guitarra, y era una pieza sensacional que lo hizo muy popular mundialmente." Siete años después los dos se unieron para un memorable concierto en Manhattan. Como Pablo Guzmán lo describe en el Village Voice, "Puente condujo a su orquesta de quince piezas, mientras tocaba los timbales, con rápidos gestos de su cabeza y señales con sus brazos; en un punto, cuando señaló con su característico gesto de poner el palillo sobre su cabeza, la sección entera de bronces, se esparcieron en una línea a su izquierda, y subieron al compás y tocaron en oposición a sí. El público se alborotó."
Entre los mejores períodos musicales de todo el tiempo es su trabajo en colaboración con Celia Cruz, a quien él consideró ser la figura más importante en la música latina en el mundo. Igualmente conocido fue su trabajo con La Lupe, una cantante que tenía una pasión como la de una gitana. Con La Lupe, él grabó canciones tales como Puente Swings, My Fair Lady Goes Latin, Tu y Yo (Tito Puente y La Lupe) o homenaje a Rafael Hernández, un famoso compositor puertorriqueño.
Acreditado por haber introducido el timbal y el vibráfono para la música Afro-Cubana, Puente también tocó la batería, las congas, las claves, el piano, y ocasionalmente, el saxofón y el clarinete. Mientras que Puente fue tal vez más conocido por su álbum de mayor venta en el año 1958 Dance Mania, su sonido ecléctico ha continuado a trascender los límites culturales y generacionales.
En el año 1979 Puente ganó su primer premio Grammy con un tributo a Beny Moré, Homenaje a Beny. Ese mismo año, el estableció una organización de fondos para becas en Juilliard para reconocer a los percusionistas Latinos en los Estados Unidos. La fundación de 'The Tito Puente Scholarship Fund' "Les da una oportunidad a los percusionistas jóvenes Latinos un incentivo a aprender a como leer la música, así que cuando entres a un estudio de grabaciones, sabes lo que estas haciendo," como le explicó Puente a Birnbaum. "No es sólo lo que aprendes en las calles - en verdad tienes que estudiar." Puente continuó fortaleciendo su entrega al futuro de la Música Latina al presentarse regularmente en los colegios e universidades a través del país. "La nueva generación de estudiantes de Centro y Sudamérica quieren representación," le dijo Puente a Fred Bouchard de la publicación Down Beat.
Mientras continuaba produciendo álbumes sólidos, incluyendo el inigualable centésimo álbum en el año 1992, Puente se hizo más visible a una audiencia más dominante. En adición a presentarse en la Casa Blanca desde la administración del Presidente Jimmy Carter -quien lo introdujo como "El Embajador de Música Latino Americana"- Puente se convirtió en el primer artista Latino que se presentara en el popular programa de televisión "The Bill Cosby Show." El también hizo varias presentaciones en el programa "The David Letterman Show," y se presentó en tales películas como la de Woody Allen "Radio Days," y "Armed and Dangerous" con el difunto John Candy, y tocó su propia música en la película The Mambo Kings, una adaptación de la novela ganadora del premio Pulitzer de Oscar Hijuelos, y fue honorado con una estrella en el Camino de la Fama de Hollywood. En los años 80, él recibió su primer doctorado honorario del College at Old Westbury. En el año 1992, él recibió su segundo doctorado honorario de la Universidad Hunter en Nueva York y fue inducido al Nacional Congressional Record. El recibió un título honorario de Columbia University en el año 1999, y el premio Latin Grammy por Mejor Presentación Tradicional Tropical por "Mambo Birdland" en el año 2000.
A pesar de estar es sus años 70 a principios de los años 1990, Puente -quien con su esposa Margie Asención, tuvo tres hijos- mantuvo un horario de giras muy ocupado que lo llevo a Rusia, Japón, y Puerto Rico. Pero en enero del año 1994, él le dijo a Vionette Negretti de el periódico El San Juan Star que planeaba reducir su velocidad: "Hay muchos jóvenes que necesitan desarrollar sus talentos y los viejos como yo necesitan darle su espacio."
Tito Puente fue reconocido internacionalmente por sus contribuciones a la música Latina como un arreglista, líder de orquesta, compositor y percusionista. Tito Puente hizo mas que solo ganar el primer lugar entre los músicos de jazz Latino, trabajando continuamente desde el año 1937 hasta el año 2000. Conocido como el Rey del Mambo, él grabó más de 100 álbumes, publicó mas de 400 composiciones, y se ganó cinco premios Grammy.
La buena voluntad, talento y espíritu de Tito Puente lo llevó a cerrar las aperturas raciales, culturales y generacionales.
Puente falleció después de someterse a una operación cardiaca el 31 de mayo del año 2000, en Nueva York. El tenía 77 años de edad.
Ricky Martin
Fue formando parte del grupo Menudo que alcanzó la fama, ingresó al quinteto en 1984 reemplazando a Ricky Melendez.
Después de cinco años de trabajo, giras, ensayos y grabaciones Ricky abandono el grupo para radicarse primeramente en New York, y posteriormente en Mexico.
Incursionó en el teatro participando de las obras: "Los Tenis rojos", y "Mamá ama el rock", y debutó como actor televisivo en la novela "Alcanzar una estrella II".
Es a fines de ese año que decide tomarse un respiro, al menos en lo musical. Fue entonces cuando retoma la actuación participando de una de las series de mayor repercución en Estados Unidos : General Hospital. Posteriormente apareció como "Marius" en la producción de Broadway, "Los Miserables".
Su tercer disco "A MEDIO VIVIR" , que fue producido por Robi Rosa y KC Porter, salio al mercado en 1995, y vendió más de seiscientas mil copias en seis meses.
Su fama y reconocimento han hecho que sea requerido para todo tipo de proyectos: en el ambito musical fue una de las estrellas latinas que cantó el tema "Puedes llegar" en el disco de las olimpiadas de Atlanta 96'; hizo un dueto con Paul Anka para su CD "Amigos"; dobló al español, al héroe de Diney "Hercules", y además interpretó el tema principal de esta película. En febrero del 98' Ricky presenta su cuarto trabajo "VUELVE" que hasta la fecha vendió más de seis millones de copias en todo el mundo, y donde se incluye:"La copa de la vida" tema oficial del mundial de fútbol Francia 98'.
Debido al enorme éxito de esta telenovela se lanza al mercado un disco titulado "Muñecos de Papel", en donde Ricky es una de las figuras principales y su tema "Juego de ajedrez", llega a los primeros lugares de popularidad. Asi mismo realizan varias presentaciones a lo largo de toda la República Mexicana.
Después de semejante suceso Ricky graba su primer disco como solista: "RICKY MARTIN" para el sello Sony Music, producido por Mariano Pérez, y con el cual lleva su música a toda América Latina.
En el año 1993 sale su segundo trabajo discográfico: "ME AMARAS" también para Sony Music, pero esta vez producido por Juan Carlos Calderón.
Más de mil millones de espectadores en 187 paises alrededor del mundo experimentaron el poder y la energía de la electrizante interpretación que hizo Ricky de esta canción, en la entrega de los Premios Grammy en 1999.
"Vuelve" ganó el Grammy a la mejor Interpretación de Música Popular Latina. Y desde ese momento Ricky Martin, emergió súbitamente como nombre y presencia reconocibles en todo el mundo.
Después del exito obtenido, Ricky lanza al mercado, en mayo de 1999, un nuevo album "RICKY MARTIN": que fue producido por Robi Rosa, Desmond Child, y Emilio Estefan Jr, entre otros, contiene temas en inglés y español, y debutó como N#1 en la lista de 200 álbums de la Revista Billboard con mayor cifra de ventas en la primera semana (660.000 copias) marcando, sin duda alguna, la consolidación de una superestrella que señaló el comienzo de una nueva era en la música latina.
Hasta la fecha Ricky Martin ha vendido más de 32.000.000 de discos a nivel mundial. Sus giras lo han llevado a Canadá, Japón, Asia, Australia, Europa y Estados Unidos.
En el 2000 Ricky presentó su tan esperada producción "Sound Loaded", donde sigue encontrando nuevas maneras de combinar sus raíces musicales latinas. Incluye también temas en inglés y español, realizados por Robi Rosa, Jon Secada, Pau Donés, y Desmond Child, compositores que lo conocen demasiado y saben que quiere expresar Ricky en sus canciones, y de que manera.
En 2003 publica "Almas del silencio", un disco espiritual y vulnerable, que incluso trata sobre las injusticias del mundo, con un sonido de vocación universal lleno de toques mestizos y letras más profundas y comprometidas.
En 2005 publica su último álbum hasta el momento llamado "Life", el cual es una fusión de ritmos. Ricky Martin será homenajeado como la persona del año 2006de la academia Latina de grabación, de acuerdo por un anuncio hecho por el organismo, el cantante fue elegido por ser un consagrado artista,un apasionado humanitario y un entretenedor mundial. La ceremonia será realizada el día 1º de Noviembre en una cena que se efectuará en el Hotel Sheraton & Towers, en New York.
En Agosto del 2006 grabó un concierto acústico (MTV Unplugged),el público no superó el medio millar de personas, el lugar para esta especial ocasión fue el Bank United Center de la Universidad de Miami. Para iniciar el repertorio del show, Ricky Martin eligió la cancion "Asignatura pendiente", escrita por su amigo Ricardo arjona,entre la gran variedad de temas el cantante hizo un viaje por toda su carrera como La bomba,perdido sin ti, María, volveras entre otros.Para el cierre Ricky reservÓ dos temas importantes y muy especiales para él: "Vuelve" y "la plena"(canción de su próximo disco), hasta el momento se anuncia la salida al mercado del DVD y el disco del concierto para Noviembre.
Oscar D' León
Oscar D' León, 'El Sonero del Mundo'
Oscar D' León, conocido como ‘El Sonero del Mundo’, nació en Caracas, en una de las parroquias más queridas de la ciudad: Antímano. Sus comienzos en la música fueron tempranos, pero no fue sino hasta 1972 cuando la "Dimensión Latina" lo dio a conocer.
Durante cuatro años formó parte de esta orquesta, en donde logró varios de sus grandes éxitos como cantante. Luego de dejar la 'Dimensión Latina', lanza su primer disco como solista, acompañado de su nueva orquesta 'Salsa Mayor'.Junto a este grupo de extraordinarios músicos, Oscar D' Léon le ha dado la vuelta al mundo, llevando el nombre de nuestro país muy en alto, logrando que en 1996, fuese nominado a los premios Grammy por su disco "Sonero del Mundo".
Además este ha tenido el honor de cantar junto a Celia Cruz, Tito Puente, José Alberto 'el canario', Dyango y Arturo Sandoval.
Hoy este salsero venezolano, sigue cosechando frutos y llevando su ritmo a cualquier parte del mundo
Olga Tañon
Olga Tañón nació un 13 de abril en Santurce, Puerto Rico. Procedente de una familia humilde, sus padres la criaron con mucho sacrificio. Su infancia y adolescencia transcurrieron de forma sencilla y hogareña al lado de Doña Carmen, Don José y sus hermanos mayores Glori, Junior, y Marie. Desde muy pequeña, Olga mostraba una gran pasión por el arte, y ha los 8 años comenzó a participar en el coro de su iglesia, obras de teatro organizadas por la comunidad, y certámenes de canto, que irónicamente, nunca ganó. A través del empresario, Ringo Martínez, Olga recibe su primera oportunidad para cantar profesionalmente al formar parte de la agrupación de Merengue “Las Nenas de Ringo y Jossie”, en la que inmediatamente comenzó a destacarse. Su proyección dentro de esta agrupación le dio la oportunidad de integrarse al grupo “Chantelle”, un grupo encabezado por mujeres que gozó de gran popularidad.
Su primer álbum, “Sola” (1992), acaparó las listas de éxitos y rápidamente se convirtió en Disco de Platino, por la venta de más de 100,000 unidades en Estados Unidos y Puerto Rico. “Sola”, consagró a Olga como merenguera por excelencia, lo que enventualmente le abrió las puertas a otras artistas en un mercado que hasta entonces había estado controlado por el sexo masculino. Con su siguiente producción, “Mujer de Fuego” (1993), en el que también hizo su debut como productora, la cifra de ventas se duplicaron, alcanzando Doble Disco de Platino. El éxito de la “Mujer de Fuego” fue absoluto, rompió las expectativas de venta y escaló los primeros lugares de popularidad, no solo en Puerto Rico y Estados Unidos, sino también en América Latina. Temas como “Vendrás Llorando” y “Muchacho Malo”, se escucharon ampliamente a lo largo y ancho del continente Americano. “Siente El Amor” (1994). Su tercera producción obtuvo Doble Disco de Platino por la venta de más de 200,000 copias y incluyo éxitos rotundos como “Es Mentiroso”, “Entre la Noche y el Día”, y “Una Noche Más”.
Los años 1994 y 1995 fueron muy importantes en la carrera de esta artista fenomenal, ya que recibió varios galardones con motivo de su éxito. Por dos años consecutivos fue escogida como el “Rostro más bello de la televisión Puertorriqueña”, por los lectores de la conocida revista TV-Guia de Puerto Rico. Además, recibió en los mencionados años, el premio a la “Mejor Agrupación de Merengue de Puerto Rico”. En 1995, Olga tuvo el honor de ser seleccionada madrina de la Parada Puertorriqueña de New York. Ese mismo año, Univisión le otorgó el Premio Lo Nuestro como “Mejor Canción del Año”, por el tema “Presencié tu Amor”, y “ Artista del Año”, y “Album Tropical del Año” por la producción “Siente El Amor”. En su natal Puerto Rico, el Senado designó el 9 de noviembre como “El Día de Olga Tañón”, en reconocimiento a su talento y a los logros obtenidos en el ámbito internacional, que la convierten en ejemplo para la juventud. A finales de 1995 se lanza al mercado, “Exitos y Más”, una recopilación de sus grandes melodías, que en una semana se convirtió en Disco de Platino.
Ese mismo año volvió a los estudios, pero en esta ocasión con una propuesta muy diferente y un gran reto en su carrera: grabar un disco pop-balada. Fue así que su talento se unió al del conocido compositor y ex-Buki, Marco Antonio Solís, quien produjo “Nuevos Senderos”. Olga superó las 500,000 copias vendidas, por lo que recibió la certificación Oro por la compañía “Recording Industries of America (RIAA)”. Si con las anteriores producciones, la “Mujer de Fuego” se consagró como la reina del Merengue, con “Nuevos Senderos”, demostró que tiene la versatilidad para abordar cualquier género musical. En 1997, Olga volvió a los estudios para grabar “Llévame Contigo”, producción de Merengue en la que se desempeñó nuevamente como productora. De esta producción, se destacaron diversos temas, entre ellos: “Serpiente Mala”, “Qué Grande Es Este Amor”, al igual que “Llegó el Amor” y “Porque No Te Encontré”.
En 1998, fue escogida como Reina del Carnaval de Miami. Olga tuvo el honor de ser la primera Puertorriqueña a quien se le otorga tal distinción, engalanando las fiestas que se celebraron en la ciudad de Miami durante este popular festival. Fue este álbum “Llévame Contigo” que le trajo su primera nominación en la categoría de “Mejor Album Tropical de los codiciados “Grammy Awards”. Además, en la tierra del merengue, República Dominicana, la Asociación de Cronistas (ACOARTE), le otorgó el Premio Casandra a la Excelencia Artística, el máximo galardón de la institución. Ya convertida en una artista internacional, en 1999 Olga presenta su producción discográfica “Te Acordaras de Mí”, producida por el maestro Rudy Pérez. Con temas del propio Rudy Pérez y el afamado productor Kike Santander. "Te Acordaras De Mí" obtiene Disco Triple Platino en su primera semana. Esta grabación que incluye un dúo con Cristian Castro: “Escondidos”, se convirtió en un super éxito en toda Latinoamérica. “Te Acordarás de Mi” le abrio las puertas a varios países de América Latina, principalmente a Chile, donde “Hielo y Fuego” fue el tema de la telenovela “Sabor a Ti”, la más popular de ese país.
Con el lanzamiento de “Olga Viva, Viva Olga”, a fines de 1999, se cumplió uno de los grandes sueños de la cantante: grabar un disco en vivo. Y el deseo se realizó por todo lo alto en el prestigioso House Of Blues, de Orlando, con una adición perfecta a su grupo, el reconocido trompetista Humberto Ramirez, como director musical. En el House Of Blues, Olga electrificó al público con su energía y cautivó con su versatilidad, interpretando temas con ritmo de Balada-Pop, Bachata, Boogaloo, y Salsa. El resultado, fue una grabación de excelencia, que incluye varias sorpresas, como el tema bilingüe titulado “Viva la Música”, y el clásico de Willie Colón y Héctor Lavoe “Ah-Ah/Oh No”. El año 2000, trajo un cambio de imagen para Olga: cabello rojizo, ojos claros y una espléndida figura. Habiendo conquistado Latino América desde el Carnaval de Santa Cruz en Tenerife, presentaciones en los principales programas de televisión hispana en los Estados Unidos, hasta emotivas presentaciones en el principal estadio de El Salvador, en donde el público de ese país se desbordó en cariños para la artista, esta gran artista entraba la próxima etapa de su carrera.
La demanda por la “Mujer de Fuego” fue tal que en el mes de mayo, la cantante complació a su fiel fanaticada al anunciar la salida al mercado, con gran éxito, una muñeca con su rostro y figura. En el verano del 2000, su espectáculo en la Sala de Festivales del Centro de Bellas Artes, Luis A. Ferré, llenó a capacidad un total de doce funciones, récord para una intérprete femenina en esta importante plaza. La vocalista mostró una vez más que es profeta en su tierra, al recibir, noche tras noche, el cariño y la ovación del pueblo Puertorriqueño. En agosto, Olga se convirtió en la primera Puertorriqueña en presentarse en el prestigioso Bass Performance Hall de Fort Worth, Texas, considerada una de las principales salas de concierto en el mundo. Panamá, y una emotiva presentación en el teatro de Anayansi cerraron un 2000 lleno de éxitos y recuerdos para la Tañon. A un compromiso con la niñez la llevó a cantar a beneficio del Orfanato de San José de Malambo, que alberga a más de 250 niños huérfanos.
La producción “Olga Viva, Viva Olga”, continuó brindando éxitos a la vocalista en el 2001. En febrero, la artista viajó a la ceremonia de los Grammy, en donde se convirtió en la segunda Puertorriqueña que gana la codiciada estatuilla de la industria del disco, casi treinta años después de Rita Moreno. El mayor mérito del galardón recibido por Olga, es que fue una producción realizada totalmente en vivo. Ahora Olga nos presenta su nueva producción discográfica, “Yo Por Ti”. Con esta nueva producción la "Reina del Merengue" une su talento a los más importantes productores y maestros en el mundo de la música Latina: Ángel “Cuco” Peña, Manuel Tejada, Humberto Gatica y Kike Santander.
A petición del publico, La Tañon nos delata con su primer disco tropical en cuatro años y el primero que se lanza simultáneamente en el ámbito internacional. La elaboración de “Yo Por Ti”, bajo el sello discográfico Warner Music International, toma seis meses en completarse, ya que cada uno de los temas fue escogido "a mano" entre más de 250 temas escuchados por la artista y su equipo de productores ejecutivos Glori Tañon y Rafo Muñiz, El resultado final…, una joya musical de 11 temas que reúne la fusión de ritmos como el Merengue, el Guaguancó, el Boogaloo, y el toque romantico de la Balada. Usando los recursos más modernos disponibles en el mundo de la música, Olga graba la voz de la versión balada de "Como Olvidar" - el primer sencillo- en los estudios de Walt Disney Productions, Disney I.D.E.A.S., mientras vía satélite se grababa la música en el estudio de Humberto Gatica en Los Angeles. En “Yo Por Ti”, la producción y arreglos musicales de Merengue estuvieron a cargo de Manuel Tejada (“Quiero Que Me Quieras”, “Yo Por Ti”, “Cómo Olvidar”, “Tu Te Lo Pierdes”) y Jaime Querol (“Ahora Soy Mala”). La Balada (“Prohibido El Paso”), el Guaguancó (“Pegaito”), y el Boogaloo (“Me Gusta”), fueron producida por Ángel “Cuco” Peña, y el Pop-Tropical (“Miénteme”), por Kike Santander. La composición y producción de “I Wanna Have Fun”, en versión bilingüe, es de José Nogueras.
La carrera de esta “Diva Boricua” continúa en ascenso y al parecer no tiene límites. Un nuevo contrato con la disquera Warner Music International la llevará, comenzando con este álbum “Yo Por Ti”, a conquistar nuevas plazas sin abandonar las que siempre le han respaldado. En el 2001, Olga hará sentir su música alrededor del mundo. Le espera un regreso a España, que aguarda con ansiedad, varios países de Europa, en donde ya se ha comenzado a calentar su fuego y después el Oriente. Con esta estupenda producción, definitivamente, el mundo le sonríe a la super estrella Olga Tañón, catalogada como una de las más importantes intérpretes de la música tropical de todos los tiempos. El futuro luce brillante para Olga Tañon, ya que una artista de su talento y carisma, el cielo es el límite. Olga sigue cosechando éxitos, ahora nada menos que con su último trabajo discográfico titulado "Sobrevivir", con temas como: "Por tu amor", "Mentiras", "Caramelo", "Así es la vida" el cual es su primer single promocional, además en es este disco Olga Tañon tiene la oportunidad de cantar "Angel de mi corazón" tema que se lo dedica al amor de su vida..su hija Gabriella.
Sin duda esta estrella boricua todo lo que canta lo convierte en éxito!!
Llega el nuevo cd de Olga Tañon a nuestros hogares!!! "A Puro Fuego" como su nombre lo dice está lleno de fuego y no es para menos porque sin duda Olga Tañon es nuestra gran estrella boricua que crea sentimientos inexplicables en nuestros corazones.
Arriba Olga Tañon!!!
Marc Anthony
Biografía
Marc Anthony
Marc Anthony
Nacido un 16 de septiembre de 1969 (Virgo) en Manhattan, en una noche de estrellas (segun sus padres). Su verdadero nombre es Marco Antonio Muñiz, que eligió su padre, Felipe, por el famoso cantante mexicano del mismo nombre,(con quien tambien comparte apellido) más tarde él se lo cambiaría a Marc Anthony para evitar confusiones.
Marc tiene siete hermanos y aunque sus padres se separaron cuando él era un adolescente, trata de mantenerse unido a su familia.
Marc tuvo una niñez normal y feliz llena de música, de reuniones de amigos y familiares, que se juntaban a conversar y cantar.
"Desde nene entendí la música, a veces me preguntaba por qué Papi cantaba y escuchaba canciones tan tristes, pero luego de adolescente lo entendí. Además eran esos boleros que ahora adoro y que me hacen vibrar", comentó Marc Anthony a la revista People.
El cantante reconoce haber sido un hombre de sentimientos intensos y de una gran debilidad por el sexo femenino, aunque le molesta que le pregunten de su vida privada.
"No me gusta que me pregunten con quién estoy o con quién me acuesto. Lo que pasa con mi vida privada es mío, lo que sí aseguro es que soy capaz de amar intensamente", ha comentado.
Tan es así, que aún le resulta inolvidable recordar a la mujer que le hizo saltar el corazón de emoción por primera vez.
Tenía apenas 11 años, la chica le gustó tanto que emocionado fue a darle una serenata bajo su ventana; ella se asomó, escuchó la canción entera y luego le cerró la ventana sin decir palabra alguna.
Esa tarde no sólo vivió su primera desilusión amorosa, sino el despertar de su pasión por la música.
Johnny Colón, maestro de música del pequeño Marco Antonio, lo recuerda como un chico muy musical, talentoso e incapaz de perder un día de clases; sin embargo, le sorprendió la música a la que su alumno se dedicó.
"A él lo que le gustaba era el rock, nunca pensé que se iba a dedicar a la salsa," comentó Colón.
Al parecer, este artista siempre supo lo quería. Con tan sólo siete años, Marc le pidió a su padre que lo inscribiera en la escuela de música de East Harlem. Para Felipe Muñiz esto fue una bendición, porque siempre soñó con ser cantante.
Su orgullo de padre creció al saber que su hijo era uno de los mejores de la clase, por lo que le brindó todo su apoyo.
"Mi papá me ha influenciado en todo, en mi forma de interpretar, de vivir sano, en mi filosofía. Papi me crió cantando. El era cantante, músico y compositor y tuvo que dejar eso de lado para trabajar y mantenernos.
"Por eso creo que Dios me puso en esto, para que él pudiera vivir su sueño en mí. Siempre viaja conmigo. Todas las satisfacciones que pueda darle se las daré sin pensarlo, ahora le toca a él", afirma el intérprete.
En sus inicios Marc Anthony cantaba en inglés en clubes de la ciudad de New York, y se especializaba en música llamada "House Music". También cantó con un grupo llamado "The Latin Rascals", que trabajaban con un productor llamado Louis Vega. Cuando Vega firmó un contrato con Atlantic Records en 1991, le pidió a Marc que fuese el cantante. Ninguno de los discos tuvo éxito, pero uno llamado "Rebel", se escuchó mucho en los clubes.
En 1992, el percusionista y director de banda, Tito Puente, invitó a Vega y a Marc a que abrieran su espectáculo en el Madison Square Garden. Después de cantar frente a una audiencia tan enorme, Marc perdió su apetito por los clubes. Su manager le sugirió que cantara en español, pero no estaba interesado.
Cuando era niño su padre invitaba músicos a su casa los Sábados, y tocaban hasta la medianoche, su padre lo ponía a cantar sobre la mesa, y a pesar que su repertorio consistía de una sola canción, "El Zolsar", la cantaba con mucha fuerza.
De jovencito, Anthony escuchaba solo R&B y rock. En una ocasión estaba manejando y oyó en la radio una canción interpretada por Juan Gabriel. "La canción se llamaba "Hasta Que Te Conocí", dice Anthony, "y me partió en dos, no se porque ni quiero saberlo. Llamé a mi manager y le pregunté si podía cantarla en ritmo de salsa".
El éxito llegó de una forma tan vertiginosa, que Anthony lo describe de esta manera: "Vi mi vida totalmente cambiada". En 1993, grabó la canción que escuchó en el coche. Su manager le organizó una presentación en una convención de música llamada Radio y Música. Como ganaba muy poco dinero, fue a la presentación con un DAT y la ropa prestada. La mayoría de los asistentes eran disc jockeys. Cuando Anthony subió al escenario solo se oyó el aplauso de una persona, le temblaban las manos en el micrófono. Cerró los ojos y empezó a imaginarse que estaba cantándole a su madre en casa, al terminar dejó el escenario tan rápidamente que su manager lo tuvo que parar y mostrarle la ovación del Público. Algunos de los disc jockeys ya estaban llamando a sus emisoras desde sus teléfonos celulares, para asegurarse que programaran el CD de Marc Anthony.
Ese mismo día, se presentó en un programa de televisión llamado "Carnaval Internacional", que aparece en todo el mundo. "En un día, mi vida cambió para siempre", dice. "Empecé a hacer giras, Panamá, Ecuador, Argentina. Puerto Rico, Miami, Los Ángeles. Me desperté una noche y no sabía donde estaba, llamé a mi hermano y le pregunté ¿Donde estamos?. Me dijo "Mira por la ventana". Todo lo que vi fue una ciudad, cuando me di cuenta que era Tokio, me pregunté ¿Cómo sucedió esto?, no lo podía creer".
Anthony fue el primer actor que Paul Simon contrató para actuar en "The Capeman". Simon había ido a una tienda para comprar los discos de los mejores cantantes jóvenes de salsa. "Me vendieron los discos de tres cantantes", recuerda Simon, "Pero cuando escuché el de Marc, me dije, este es muy bueno, en realidad es el mejor". Al mismo tiempo que Anthony ensayaba para la obra de Broadway, se estaba lanzando el álbum "Contra La Corriente", el cual superó el status de Disco de oro.
Debido a obligaciones no pudo promover el disco, entonces dio un concierto en el Madison Square Garden. Ningún cantante de salsa se había presentado en el Madison. Anthony llenó el teatro y repitió la hazaña el año siguiente.
Una de las sensacionales presentaciones en vivo de Marc Anthony, fue filmada para un programa especial de televisión de la cadena HBO: Marc Anthony: The Concert from Madison Square Garden, el cual fue transmitido el día de San Valentín del 2000. El especial fue producido y dirigido por Marty Callner para "Cream Cheese Productions," quien anteriormente había producido, para HBO, especiales con Madonna, Garth Brooks y Jerry Seinfeld. El especial incluyó sus exitos en inglés pero también algunos temas de los albumes de salsa en español, los cuales lo han establecido como el cantante de salsa número uno en ventas en el mundo.
Marc Anthony ha logrado en total nueve discos de oro y platino: sus albumes "Contra La Corriente," "Todo A Su Tiempo" y "Marc Anthony," han obtenido discos de oro; con éste último obtuvo cuatro discos de platino, y los temas "I Need To Know" y "You Sang To Me" también recibieron discos de oro. Su album "Contra La Corriente" fue galardonado con un premio Grammy como Mejor Album Latino Tropical en 1998. Su disco "Desde El Principio," un album con sus mejores éxitos de salsa, estuvo en la primera casilla de Billboard Latin 50 durante siete semanas, y de acuerdo con la firma SoundScan fue el album número 1 en el listado de ventas de albumes de música latina.
Sin embargo el éxito de Marc Anthony no se ha limitado al mundo de la música. El legendario músico Paul Simon lo escogió para participar en el musical de Broadway The Capeman. Marc también ha debutado en la pantalla grande representando papeles importantes en las películas Bringing Out the Dead, dirigida por Martin Scorsese, y Big Night dirigida por Stanley Tucci. Marc también actúo en las películas The Substitute y Hackers.
Las obligaciones adquiridas con el musical The Capeman, impidieron que Marc pudiera promover su tercer album de salsa "Contra La Corriente" durante su periodo de lanzamiento (aún así éste obtuvo un disco de oro inmediatamente). Para despedirse temporalmente de la salsa Marc ofreció un concierto en el Madison Square Garden. Ningún cantante de salsa había reservado éste escenario anteriormente, excepto como parte de una revista musical. Marc logró agotar todas las entradas - a partir de entonces el cantante habría de repetir lo mismo cada año.
Durante el invierno y el verano del 2000 Marc realizó una gira musical a lo largo y ancho de Norteamerica, agotando localidades y deleitando a grandes multitudes con una serie de conciertos muy exitosos.
En lugares donde se habla español, y especialmente en Puerto Rico, Marc es considerado un verdadero ídolo. Una reseña de su concierto publicada en "El Nuevo Día," el diario número uno de Puerto Rico, lo califica como "profeta en su tierra". Así mismo en una reseña publicada en The New Yorker, un residente de Harlem dijo que Marc "Es como una llama de fuego que camina".
Maduro ("mucho más maduro que nunca antes en mi vida" dice), el delgado y menudo cantante está montado en una ola de fama y fortuna que lo lleva cada día a planos más altos. ¡Y todo esto acompañado del respeto y admiración de la industria de la música internacional!
Marc canta "con el corazón tanto en inglés como en español" y su triunfo en ambos idiomas y ambos mercados, con total naturalidad y sin que uno descuide al otro, o sea más importante que el otro, es motivo de comentario. "Marc sí que lo ha hecho bien, pues es igual de admirado entre anglos como hispanos. Y para él ambos públicos son igual de importantes.".
¿Y el secreto de su "sex appeal"? Marc ríe cuando se le menciona y casi lo quiere obviar con un gesto. Quizá se deba a que cuando tenía 15 años un día su papá le dijo bien claro, "Mi hijo, eres feo, así que concéntrate en tener una buena personalidad''. Y explica que a partir de ese día desarrolló una gran confianza en sí mismo y "trabajó" en su carácter. "Puede ser que éso sea lo que la gente encuentra sexy"- explica sin vanidad alguna-"Tengo mucha confianza en mí mismo y creo que esa confianza es algo sexy..¿No crees?"
A pesar de que se le ha ligado sentimentalmente con distintas mujeres.
Tiene 3 hijos. el bebé Ryan, su hermanito Christian (que cada dia se parece mas a su papá) y su primogenita, Arianna Muñiz, (nacida de su noviazgo de cuatros años con una policía de Nueva York, Debbie Rosado). La ruptura de esta relación dejó marcadas cicatrices en el corazón del intérprete, sobre todo por lo que significaba separarse de su pequeña.
"Mi hija es todo, no sé cómo explicarlo, ella es mi vida, mi inspiración más grande. Si la vieran con mis zapatos, cómo me envuelve con sus palabras, es maravillosa y yo la amo con toda mi alma; a ella le escribí My Baby You", afirma.
Y después de proclamar a los cuatro vientos que estaba solo y no tenía planes cercanos de bodas, llegó la otra mujer de su vida... Dayanara Torres. (ex miss universo 1995). El 10 de mayo del 2000 Marc Anthony se casó con la ex Miss Universo puertorriqueña en Las Vegas. Tras una separacion amistosa, regresaron para contraer matrimonio, esta vez religioso y por todo lo alto (fue una de las bodas del año) en la Catedral de San Juan de Puerto Rico.
E igual de sonado fue su divorcio y posterior boda secreta con Jennifer Lopez, el que dicen es su gran amor de juventud. Marc prefiere no hablar de ello "mis cosas privadas son mias, no crean todo lo que lean".
Cantante y también excelente actor de cine lo que "le fascina cada día más". Sus ultimos trabajos son junto a Salma Hayek en "El Tiempo de las Mariposas". Y su ultima pelicula "Man on fire" junto a Denzel Washington (un exito para Marc segun la critica) y ha sacado 2 nuevos discos, ambos en español: Amar Sin Mentiras y Valio la Pena, de baladas y de salsa. Asi como planea una super gira tras el verano y 3 nuevas peliculas.Man Ray
(Emmanuel Rudnitsky; Filadelfia, 1890-París, 1976) Fotógrafo y pintor estadounidense. Cursó estudios de diseño industrial y de arquitectura. Su prolífica carrera comprendió actividades pictóricas, escultóricas y fotográficas. Tuvieron gran influencia sobre su obra la emblemática exposición del Armory Show (1913) y el contacto con artistas dadá afincados en Nueva York, como F. Picabia o M. Duchamp. Son célebres sus ready-mades, como los titulados La puericultura II (1920), en el que una mano se asoma de un bote, o la plancha con clavos que bautizó como Regalo (1921). En 1923 realizó una escultura consistente en un metrónomo con una fotografía de un ojo colgada del péndulo, integrante de la serie que denominó «objetos indestructibles». En el ámbito de la fotografía, género al que se dedicó profesionalmente desde 1921, desarrolló técnicas nuevas, como el rayograma o la solarización, y cultivó el retrato, la fotografía de moda y la imaginería abstracta. También experimentó con el surrealismo en el marco de su actividad como cineasta en filmes como Retorno a la razón (1923) y Emak Bakia (1926).
Maná
La historia de Maná comienza a mediados de los años setenta en Guadalajara, México, gracias a cuatro amigos que se unen para interpretar temas de Led Zeppelin, los Beatles y los Rolling Stones. Estos amigos crearon
un grupo llamado 'The Green Hat Spies', que con el tiempo se convertiría en 'Green Hat' y, finalmente, en 'Sombrero verde', su traducción al castellano.
Como 'Sombrero verde' publicaron dos discos: 'Sombrero verde' y 'A ritmo de rock', con unos resultados bastante pobres en cuanto a ventas. Debido al fracaso del grupo hubo varios cambios en los miembros de la banda, que finalmente quedaría con los siguientes componentes: Fernando Olvera (Fher), Alejandro González (Alex), y los hermanos Juan y Ulises Calleros. A partir de entonces deciden cambiar su nombre artístico por el de 'Maná' y utilizar ritmos más latinos en sus composiciones.
En 1987 publican su primer álbum, titulado 'Maná', con resultados discretos, y en 1989 el segundo, 'Falta amor'.
Sería durante los dos años siguientes cuando Maná se daría a conocer por todo el país, con más de setenta conciertos y varios premios y discos de oro por su trabajo.
En 1992 editan '¿Dónde jugarán los niños?', grabado en unos estudios de Los Angeles. Ulises Calleros se convierte en el manager del grupo y entran César López (Vampiro) e Iván González. El disco se convierte en un superventas, no sólo en México, sino en la mayoría de países de habla hispana.
A finales de 1993, Vampiro e Iván abandonan el grupo, y entra Sergio Vallín, como cuarto miembro de la banda.
En 1995 publican un nuevo disco, 'Cuando los ángeles lloran', que de nuevo se convierte en un éxito internacional.
Dos años después un nuevo disco ve la luz: 'Sueños líquidos'. Es publicado simultáneamente en 26 países, incluida España, donde consiguió el disco de oro en apenas dos meses. Con este disco realizan una gran gira por toda
latinoamérica, Estados Unidos, Canadá, España y un sin fin de países más.
En 1999 publicaron un nuevo disco, 'MTV Unplugged', para dicha cadena de televisión, y colaboraron con Carlos Santana en su último disco.
En el 2002 sale a la luz su séptimo álbum de estudio, grabado en Los Angeles y titulado Revolución de amor, una mezcla de reggae, funk y alguna pincelada de música afrocubana. El disco cuenta con la colaboración de Rubén Blades y Carlos Santana.
2003 es el momento de Maná Esenciales, donde el grupo resume su música en una colección de discos, Sol, Luna...
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